Tras alcanzar casi 1.000.000 visitas en su primer single “Hasta que salga el sol”, con una colaboración de lujo junto a Lucía Gil y haber sido N1 en listas de éxitos de las principales radios nacionales, Atacados nos sorprende con una nueva versión a cargo de su productor Pablo Cebrián y videoclip que han grabado bajo la dirección y producción de Alfonso Calza.
Los escenarios elegidos se han rodado en Valencia, en el videoclip aparecen extras que han sido seleccionados gracias al concurso lanzado por los supermercados LIDL.
El nuevo disco de Atacados está producido por Pablo Cebrián, reconocido por sus anteriores trabajos con Sergio Dalma, Manuel Carrasco, David Bisbal, Pastora Soler, Alex Ubago entre otros, y mezclado y masterizado por Óscar Viader.
“No Hay Relojes Si Tenemos Sueños” es su primer trabajo discográfico y saldrá a la venta el próximo 7 de julio.
En apenas unos días estrenarán disco pero mientras os adelantamos que si queréis verlos en directo podréis hacerlo en las siguientes fechas. ¡Tomad nota!
GIRA HASTA QUE SALGA EL SOL -12 de Mayo Barcelona PRIMAVERA POP Los 40 -13 de Mayo Madrid PRIMAVERA POP Los 40 -14 de Mayo Málaga PRIMAVERA POP Los 40 -23 de Mayo Burgos ESCENARIOS DIAL -24 de Mayo Palencia ESCENARIOS DIAL -25 de Mayo Valladolid ESCENARIOS DIAL -30 de Mayo Madrid LIBRO HASTA QUE SALGA EL SOL -22 de Junio Madrid -28 de Junio Murcia-San Pedro de Pinatar -29 de Junio Benicasim
-2 de Julio León
-4 de Julio Vigo
-5 de Julio Lugo
-6 de Julio Madrid-Collado Villalba
-8 de Julio Huelva-Punta Umbría
-11 de Julio Barcelona–Gavá
-12 de Julio Tarragona-Salou
-13 de Julio Valencia
-15 de Julio Murcia
-16 de julio Almería
-18 de Julio Sevilla
-19 de Julio Cádiz-Chiclana
Thorax continúan su camino dentro del Thrash Metal
Thorax es una agrupación argentina que cultivan el Thrash Metal. Con muchos cambios en su alineación, cosa que les ha afectado mucho, la banda no se deja vencer y continúa su camino. Conozcamos brevemente algo más sobre esta banda argentina por parte de Claudio Martínez, quien responde la entrevista.
Saludos! Brevemente, cuéntanos sobre los orígenes de la banda. Hola! Los saludamos cordialmente desde el barrio de Flores, ciudad de Buenos Aires, Argentina. La banda se formó en el 2001 con el por entonces baterista Dante Quiroga y el guitarrista Martin Ramírez. Juntos deciden emprender el proyecto y darle el nombre a la banda.
“La escena actual en Argentina está llena de muy buenas bandas de Thrash con mucho nivel y bastante dedicación”
En el trascurso de todos estos años la banda ha tenido muchos cambios en su alineación. ¿Por qué tantos cambios? ¿De qué forma estos cambios afectaron la vida y la música de la agrupación? Los cambios de integrantes se fueron dando en su mayoría debido a que llevar el proyecto con dedicación lleva mucho tiempo, y por problemas personales y de trabajo se tuvieron que abrir de la banda, dando lugar a nuevos integrantes y sonidos.
¿Tuviste problemas en encontrar los nuevos integrantes? Danos la alineación actual. Se llevó un tiempo hasta tener una formación estable. Actualmente son: Martín Ramírez (guitarra), Alexis Ortiz (guitarra y coros), Leandro Berbetoros (bajo), Claudio Martínez (voz) y Miguel Benito (batería).
¿Han efectuado giras en promoción a la banda? ¿Qué países han visitado? ¿Con quiénes han compartido escena?
Thorax giró por el interior del país ansiando poder tocar en otros países, mostrando nuestra música, llevando el Metal a la Industria nacional. Compartimos escenario con bandas locales como Malon, Horcas, Tren Loco, Serpentor, Jeriko, Tungsteno y otras…
La banda editó hace un tiempo una producción llamada “Armamento de Piel y Hueso”. ¿Tuvisteis contratiempos, verdad? El disco se comenzó a grabar a mediados del año 2013. Una vez grabadas las bases, el batero por aquel entonces abandonó la banda, quedando el disco a medio hacer. Luego de varias horas de estudio, se lanza el disco en el año 2015 con nuevo baterista, y el mismo es presentado por nuestro país.
Una pregunta algo clásica, pero ¿qué puedes contarnos sobre la actual escena argentina? La escena actual en Argentina está llena de muy buenas bandas de Thrash con mucho nivel y bastante dedicación, pero a la vez está lleno de productores que se llenan los bolsillos a costa de bandas emergentes.
¿Qué los motiva a cantar en español, en comparación de que la mayoría de las bandas de este género en la región lo hacen en inglés? La motivación de cantar en español es porque cantamos las realidades que vivimos diariamente, y para que le llegue al que es un argentino más, y el que sea de afuera que escuche y se entere de nuestras realidades, y además es nuestra lengua impuesta.
¿Por qué deciden llamar definitivamente Thorax al grupo? ¿Cuál es el significado que ustedes le asignan a este nombre? Como anécdota, un día por el año 2001, tomando unas cervezas con el baterista de aquel entonces, buscando el nombre para la banda decidimos por el nombre de Thorax.
Bien, hablemos nuevamente de su álbum debut “Armamento de Piel y Hueso”, que salió luego de mucho tiempo de formada la banda. ¿Qué concepto encierra éste? ¿Crees que con esta grabación la banda demostró todo su potencial, o aún quedan algunas sorpresas más? El concepto del disco encierra musicalmente bases de guitarra y baterías potentes, con letras sociales basadas en las problemáticas sociales económicas.
En ese disco demostramos el potencial de los músicos que se encontraban en ese momento. Tratamos de dar todo, aunque nunca es todo y siempre hay más para dar. En nuestra segunda producción, que estamos grabando, se van a escuchar bases potentes con doble bombo, que van a hacer como una patada al pecho con voces potentes agudas guturales, y unos zarpados coros.
Si llevan alrededor de los 16 años de formados, ¿por qué esta escasa producción discográfica en tanto tiempo? Debido a tantos cambios que sufrimos de músicos, siempre las grabaciones fueron postergadas por esos motivos ya nombrados antes.
¿Es Thorax una banda que está tratando de denunciar la enfermedad social que se vive en nuestro entorno? Las letras hablan de problemas sociales económicos que abarcan a toda la sociedad en general, como las diferentes potencias que dominan el mundo, que son identificables a simple vista.
¿Cuál es el concepto general que Thorax, como banda de Thrash Metal, pretende entregarnos?
Thorax demuestra un show violento y contundente de principio a fin, con letras de realidades sociales con mucha expresividad para llegar a la mayor cantidad de gente posible.
Sé que ya están en preparación de su segundo disco. ¿Cuándo estará listo este disco? ¿Sera una continuación de “Armamento de Piel y Hueso”, o tendrá conceptos diferentes? Es un disco completamente distinto a “Armamento”, con un sonido más contundente, y con letras más potentes. Hay 2 integrantes nuevos en la banda, por lo que cambia sonidos e influencias.
Bien, esto es todo! Muchas gracias por su tiempo. Desde ya, muchas gracias por la entrevista, y por tenernos en cuenta como banda referente en el estilo. Estamos ansiosos de poder conocerlos, y establecer una amistad. Esperamos la oportunidad de encontrarnos y pasar un buen momento.
Desde ya, muchas gracias. Un cordial saludo de quienes formamos Thorax.
Athanai es un cantante, compositor, arreglista y productor cubano con más de 20 años de carrera artística. Su estilo musical ha sido descrito como una mezcla de Rock, Rap, Grunge, y Funk con elementos de la música cubana. Aquí esta entrevista en exclusiva para LaCarne Magazine.
Con una extensa carrera musical de más de 20 años, ¿cómo se siente Athanai luego de tanto tiempo de carrera artística?
Me siento muy bien. Contento sobre todo porque hacer lo que uno ama es vital para el bienestar de cualquier persona, y en mi caso esa posibilidad se ha cumplido.
Prácticamente, luego de algunas presentaciones en Cuba, comienzas tu carrera en España con la grabación de tu primer disco Séptimo Cielo en 1997, un álbum muy bien recibido tanto por el público como por los medios especializados. ¿Esto fue el detonante que marcó estar un tiempo haciendo tu carrera en España?
Por supuesto, sin Séptimo Cielo nada hubiera sido posible. Es el disco de arranque. Se grabó en Madrid, y gracias a él pude probar suerte fuera de Cuba e interactuar de diferentes maneras con artistas españoles reconocidos.
En España estuviste también por un tiempo involucrado con algunas bandas. Coméntanos sobre esto.
Luego de terminar la gira de presentación de Séptimo Cielo, pasé aproximadamente un año enfrascado en la producción del disco Jugar a la Locura de la cantante Rosario Flores, el cual vendió más de 100.000 copias y fue nominado al Grammy.
Desde Madrid produje discos y singles de artistas de estilos diversos como: “Play Stopped Rain” del británico Mike Stanley, “Fiesta” de la rapera Telmary, “Te Quiero Bien” de Lynn Milanés y “Me Traen de los Mares” de José Luis Medina (Habana Abierta).
Colaboré en los álbumes No te Cabe Ná y Sesión Golfa de la banda sevillana O´Funk´illo, con la cual sigo en contacto, y he realizado como invitado varias giras en los últimos diez años: “Ojú” de Las Niñas, “Aquí Estoy Yo” de Vikingo MD, vocalista de la banda Narco, y “La Culpa de Todo la Tiene Def con Dos”, disco tributo a Def con Dos, donde canto “Acción Mutante” junto a O´funk´illo…
También he compartido escenarios tanto con los artistas y bandas antes mencionados como con Súper Skunk, Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés, Kiko Veneno, Jorge Drexler, Zucchero, Raimundo Amador, Dover, Killer Barbies, Nancho Novo y Los Castigados Sin Poste entre otros…
Regresar representa el regreso de Athanai, luego de algunos años de silencio desde su álbum Creando Milicia. ¿Qué encontramos en este disco? ¿Qué sonido buscas consolidar en esta nueva producción?
Regresar es totalmente diferente. Es un disco donde agrupo canciones compuestas a lo largo de estos veinte años de carrera, y que por razones de compatibilidad estética no tenían cupo en los discos anteriores.
En Regresar se puede apreciar un Athanai más descubierto, es un disco más acústico, los tempos en muchas de las canciones son lentos, está lleno de baladas, y pruebo a mezclar un poco, géneros de la música cubana como la Guajira, la Guaracha, el Son y el Bolero, con esa parte mía llena de influencias foráneas.
Cuéntanos algunos datos técnicos. ¿Dónde y con quién has grabado Regresar? ¿Invitados, la producción…? ¿Hay algo en este cuarto disco que no hubiese hecho antes? ¿Algo especial?
Pues mira, la mayor parte del disco ha sido grabado por mí en el estudio de mi casa en la Sierra de Madrid, y he contado con músicos de primer nivel como Dayán Abad y Tato James Monrabal en las guitarras, Yadam González en el bajo, Alfredo Chacón en la percusión, Kiki Ferrer también en la percusión y además en la batería, y Gladys Silot en las cuerdas.
La producción musical es mía y tengo hasta ahora de invitados espaciales a artistas a los cuales admiro, quiero y respeto mucho como el maestro Pablo Milanés, sus hijas Lynn y Haydée, Kelvis Ochoa, Pedro Luis Ferrer, Buena Fe.
A la pregunta de si hay algo en este disco que no hubiera hecho antes, la respuesta es sí, porque en él muestro un Athanai con un nuevo sonido, incursiono más en la música cubana, la mayoría de las canciones son baladas y convoco a varios artistas como invitados a cantarlas conmigo.
¿En qué catalogo podemos poner a Athanai? ¿Qué estilo se acerca más a su música? Ya que hay una amalgama de tendencias musicales como Rock, Rap, Grunge, Funk… y elementos del sabor musical cubano.
Mi estilo es complicado de definir pues, como ya mencionas, me muevo a través de muchos géneros. Por lo que significa la palabra, la definición sería fusión pues yo mezclo muchos estilos, pero como género no sería así, porque la gente lo asocia con algo más latino y cercano al Jazz, y eso se aleja de lo que mayormente hago.
Yo creo que simplemente hago música y es mucho mejor llamarlo así, pues me da la libertad de crear y navegar por toda su plenitud. Para un compositor versátil es un obstáculo etiquetar el estilo de sus obras, pues eso limita su desarrollo, su evolución. Yo compongo según viene la musa.
No premedito en qué estilo va a llegar la canción. Una vez que nace, es que la reconozco y entonces puedo sentir a qué sonoridad está cercana.
Algunos de tus álbumes han sido nominados y galardonados con premios. ¿Esperabas estos reconocimientos a tu obra? ¿Qué ha representado esto para ti?
Tengo mala suerte con los premios de las instituciones académicas y culturales. Creo que a casi todos nos agrada la sensación de que se reconozca lo que hacemos, pero pienso que no se puede medir el verdadero valor del arte a partir de un premio.
Sólo he ganado un premio en veinte años, y fue el de Mejor Opera Prima en la categoria Rock del Cubadisco de 1998. Fíjate si tengo mala suerte, que, por estar fuera de Cuba, no tengo ni el premio físico, nunca llegó a mis manos. Pienso que los premios sirven más como efecto mediático que como lo que realmente son.
Te ponen en boca del público que a su vez especula con que, si eres mejor que tal y más cual, vamos, chanchucho popular, tú sabes…
El mejor premio que existe es sentirse arropado cuando haces un concierto, cuando alguien te comenta que una canción tuya cambió su vida, le devolvió el amor, lo alejó del odio, lo inspiró para lograr un sueño, lo hizo feliz. Saber que lo que haces es útil, aunque no sea tangible, es el mayor de los premios.
¿Y tienes pensado grabar algún nuevo videoclip? Ya sabes que los vídeos ayudan mucho a difundir la música de las bandas.
Pues sí, desde mi regreso a Cuba ya he presentado dos. El primero, de la canción “Madre y Tierra”, junto al maestro Pablo Milanés, y recién acabo de estrenar un segundo video titulado “Falté”, junto a su talentosa hija Haydée. Intentaré hacer un video de cada featuring del disco Regresar.
De todos modos, en el canal de YouTube Athanai Oficial pueden encontrar toda mi videografía, en la cual hay clips de los discos anteriores, de directos, entrevistas y muchas cosas para pasar un buen rato.
Hablemos de las presentaciones. Alrededor de 10 años alejado de los escenarios cubanos, pero ya has realizado algunas presentaciones y compartido con importantes músicos cubanos. ¿Cómo ha sido la acogida que has tenido? ¿Cómo te han recibido los fans?
Soy un tipo afortunado. A pesar del tiempo que he pasado lejos de los escenarios cubanos mi acogida ha sido increíble. Desde las pequeñas y pocas presentaciones que he hecho, hasta otras con producción más grande, la gente me ha hecho sentir querido.
Una muestra de ello fue el concierto “Athanai está en la Casa”, que hicimos el pasado febrero en la Casa de las Américas, en el que además de repletarse hasta los pasillos, el público era súper diverso. Había madres jóvenes con bebés cargados, niños de 7 años, adolescentes, jovenes, treintañeros, cuarentones y así, hasta personas bastante mayores bailando y coreando felizmente mis canciones. Nunca pensé que mis obras pudieran llegar a ser tan multigeneracionales.
Hacer un concierto y que nadie venga a escucharme es un mal sueño que tengo a cada rato, pero el cariño que he sentido por parte del público en Fábrica de Arte Cubano, en la Casa de las América, en el Patio Colonial de la AHS de Matanzas, y ahora en el Festival Internacional de Cine de Gibara me demuestra que puedo estar tranquilo, que Cuba no me ha olvidado, que mi música ha circulado de adultos a jóvenes y viceversa, y que las pesadillas son lo que son, malos sueños. Regresar a Cuba ha sido un maravilloso despertar.
Athanai tiene muy fieles y pasionales seguidores de su música. ¿Cuál ha sido la fórmula para satisfacer el gusto de sus fans durante tanto tiempo?
No tengo una fórmula. No compongo pensando en satisfacer a nadie excepto a mí mismo. Para mí es una necesidad expresar lo que siento, pues si no lo hago me lastima, me hace daño y puedo acabar reventando.
No sé si tengo un don o si es buena suerte, o una mezcla de ambas cosas. Lo cierto es que sin pensar en el público hago mis canciones y gustan. A lo mejor ahí radica el secreto, en componer a partir de tus propias experiencias. A todos nos pasan cosas parecidas, y la posibilidad de que el público se identifique con lo que uno dice es infinita. También depende un poco, pienso yo, del nivel de sinceridad y la gracia con la que se diga. Es un misterio.
Hablemos de producción musical. Has producido muchos discos, de músicos extranjeros y cubanos, y algunos premiados y reconocidos. ¿Esto de productor musical es algo que desde tus inicios querías hacer? ¿Cómo te llego este capítulo, por decirlo de alguna manera, de la producción?
Como he escuchado por ahí, la necesidad hace parir enanos. En mis inicios, a finales de los años 80, soñaba con poder grabar mis canciones y que los arreglos fueran como los de Carlos Varela, pues me fascinaba cómo sonaba su música. Esa posibilidad era muy lejana, el acceso a sus arreglistas era imposible, así que en cuanto pude me compré una computadora y comencé a hacer a través de programaciones mis propios arreglos.
Todo es cuestión de práctica y de constancia. Poco a poco fui mejorando, monté una banda que me permitía comprobar los arreglos, y en poco tiempo las canciones fueron sonando mucho mejor. Me di cuenta que había nacido para esto y me tiré de lleno en la piscina de la producción musical.
Y si hablamos de colaboraciones, pues has participado en otros tantos discos. Coméntanos sobre esto.
Colaborar es muy divertido. Es un proceso de ida y vuelta donde las partes entregan y reciben algo del otro. Se aprende mucho y es un privilegio poder hacerlo con alguien a quien admiras. Tu obra se enriquece con el aporte del otro artista y lo mismo ocurre cuando tú dejas tu granito de arena en el otro lado. Me encanta hacerlo.
En una pregunta anterior, cité algunas de las producciones y colaboraciones que hice estando en España. Aquí en Cuba, antes de marchar, sólo pude producir mi primer disco Séptimo Cielo, Igual que Tú de Primera Base (1er disco de Rap Cubano), y colaborar en el disco Desde el Patio de mi Casa de NG la Banda.
Ahora a mi regreso, he colaborado en Río Arriba de Tesis de Menta. Estoy abierto a colaboraciones, eso sí, siempre que me guste la canción.
¿En algún momento te has sido intimidado por el tipo de temáticas que tratas en tu música?
Yo le compongo a todo lo que vivo. Le canto al amor, a las relaciones humanas, a la alegría, a los entresijos de la vida, y aunque muchas de mis canciones tienen una tematica social, nunca he tenido una experiencia parecida.
Una vez, hace más de veinte años, me invitaron a una celebración político-cultural, y me aclararon que no debía cantar ciertas canciones, entonces les dije que si no podía cantar esas canciones tampoco cantaría las permitidas, entonces no canté. No pasó nada, mi vida siguió tranquila y no me sentí ni intimidado, ni perseguido. He viajado bastante y he podido constatar que la censura existe en todas partes.
A estas alturas de tu carrera, aún te quedan ciudades en Cuba donde presentarte. ¿Has pensado en alguna gira nacional para presentar este nuevo álbum?
La gira nacional actualmente es una constante en mi mente. No sé si en algún momento será posible hacerla del tirón, pero lo que sí se puede hacer entre tanto es organizar conciertos en varios municipios de una misma provincia.
Sólo falta que estén interesados. Disponible estoy. Sería un sueño hecho realidad poder conocer mi país, su gente, aprender sus costumbres (platos típicos, bailes, música,) y compartir mis canciones y experiencias con ellos.
¿Te sientes realizado? ¿Has conseguido todos tus propósitos o aún sientes que falta algo más por lograr?
Como te dije, me siento un tipo afotunado. Todo en la vida no se puede tener, pero la mayoría de mis aspiraciones se han cumplido. Pienso que el camino no termina cuando cumples un sueño.
Me identifico mucho con una reflexión de mi amigo Israel Rojas (Buena Fe): “Siempre habrá montañas más altas que escalar”. Aunque me siento realizado, detesto pensar que todo está hecho, necesito un nuevo propósito para poder vivir, para sentirme útil, para ser feliz.
¿Dónde podemos obtener este nuevo álbum Regresar? ¿Está disponible ya para el público en Cuba?
Excepto mi primer álbum, Séptimo Cielo, toda mi música está disponible en Itunes y en Spotify.
Regresar lo estoy publicando en esas mismas plataformas de distribución digital, pero single a single. Ya está disponible “Madre y Tierra” y “Falté”. Cuando la mayoría de los duetos estén publicados, reagruparé las canciones y entonces las publicaré como álbum. En estos momentos me encuentro negociando con las disqueras cubanas para ver la posibilidad de editarlo en Cuba.
En mi página web www.athanai.com pueden buscar toda la información relativa a mi trabajo, y también pueden seguirme y dar like en mi página oficial de Facebook Athanai
Bien, Athanai, ha sido un gran placer hablar contigo. Gracias por tus respuestas y desearte todo lo mejor con este nuevo álbum.
Solamente agradecerte por la entrevista y saludar a todos los lectores.
Abrazongos!!!
Versoix presenta nuevo disco junto a Loquillo, Rosendo y Los Zigarros
El pasado día 26 vio la luz ‘Versoix’, el nuevo disco de Versoix. Nuevo y esperado trabajo de los madrileños que harán las delicias de los amantes del rock urbano. Ya hemos podido disfrutar de su primer videoclip extraído del nuevo disco que todavía está disponible hoy en preventa.
La banda lo presentó el pasado sábado junto a Loquillo, Rosendo y Los Zigarros en las Hogueras de San Juan de Arganda del Rey, evento en el que regalarán un CD promocional a las primeras 200 personas que entren en el festival.
Versoix es un rayo de rock que a su paso a través de un prisma sorprende con múltiples aristas que divergen a través de las ondas sonoras. Inclasificable o simple y llanamente rockero, el sonido de la banda madrileña incorpora una pléyade de influencias que va desde Barricada a Muse pasando por Söber y Bullet For My Ballentine. ¿Alguien da más?
El grupo toma forma en Madrid en el año 2012 de la mano del vocalista Jesús y del guitarrista Sergio. Tras superar algunas variaciones en la formación, la banda comienza a escribir canciones y a frecuentar las salas de la capital.
En 2015 lanza su primer disco, ‘El Dilema Del Erizo’, grabado en los Estudios La Nota bajo la producción de Valentín Méndez. Tras sendos cambios en la posición de bajista y baterista, Versoix gira por toda la península para presentar su debut hasta su encierro en el estudio para componer su segundo álbum, ‘Redención’.
En este, Versoix cuida con mimo los detalles sonoros y líricos, dando muestras de madurez pero sin perder un ápice de la frescura presente en su primer trabajo. A pesar de tener un sonido más agresivo que su predecesor, las letras de ‘Redención’ se centran en la dificultad que significan las relaciones humanas en sus aspectos cotidianos e íntimos.
“Desperfectos”, primer videoclip del disco y tema que le da inicio, es el resumen perfecto de las variantes que ofrece el disco.
Más información sobre Versoix en el siguiente enlace: Ver Facebook
VDH es una banda de Heavy Metal procedente de Argentina. Sus comienzos se remontan al 2007, cuando Claudio Martínez, luego de la separación de su anterior banda, empezó la búsqueda de músicos para una nueva formación. VDH es una banda influenciada por bandas nacionales como Hermética, Almafuerte, El Reloj y bandas internacionales como Dream Theater o Steve Vai, entre otras. En ocasión de la preparación de su segundo álbum, les ofrezco esta entrevista respondida gentilmente para LaCarne Magazine por su vocalista Claudio Martínez.
Claudio, formaste parte de la banda Extraños Personajes, y luego de tu separación de ésta, comienzas a buscar los músicos para crear VDH. ¿En algún momento de aquellos inicios imaginaste que VDH fuera a llegar a ser tan importante para ti como lo es ahora?
Antes que nada, quería agradecerte, Omar, por realizarme esta entrevista y estar pendiente siempre de lo que es Metal Emergente en todo el mundo. Muchísimas gracias y espero que lo sigas haciendo siempre porque esto es algo que nos favorece y enriquece a todos los artistas del Metal, para que este fuego nunca se apague.
Claro. Fue algo bastante complicado, tuve que luchar muchísimo tiempo para poder llegar a lo que VDH es hoy en día: una banda con una formación estable, un disco de estudio y actualmente terminando las composiciones de lo que es su segundo disco.
Jamás pensé que llegaría a ser tan importante como lo es actualmente para mí. Es más, jamás pensé que la música iba a llegar a ser algo tan importante para mí, y que llegue a abarcar más del 50% de mi vida actualmente. Pero todo esto me pone muy orgulloso porque veo mi esfuerzo reflejado en la cosecha.
¿Cómo dirías que suena ahora VDH en comparación con el 2007?
No hay comparación. Más allá de que en 2007 la banda sonaba muy bien, teníamos un estilo marcado, y ese mismo estilo es el que nos marca hoy en día. Pero, hoy en día puedo decirte que VDH suena como una banda profesional.
Nosotros nos subimos a un escenario a brindarle un show a la gente y que disfruten de la música que hacemos. Hay seriedad, compromiso y mucho trabajo detrás de cada show de VDH, pero a la vez siempre hay que disfrutar cuando las cosas salen bien.
¿Cuál fue la mayor complejidad que afrontó la banda en sus inicios?
Una de las mayores complejidades que afrontó la banda fue no poder mantener una formación estable durante más de 6 meses. Nos visitaban músicos muy volátiles que no querían asumir un compromiso, u otros que al escuchar la música y la presión que nosotros metemos (porque realmente no es algo fácil trabajar con Leandro, guitarra, y conmigo, jaja), desistían de la idea de formar parte de la banda.
Se conoce que excelentes músicos conforman la actual alineación de VDH. En este aspecto, ¿quiénes conforman la banda y qué experiencias previas tienen antes de haber entrado como músicos fijos en esta agrupación?
Así es, hoy en día la banda está conformada por Tomas Soria en batería, quien antes de estar en VDH estuvo en varias bandas y en un tributo a Linkin Park, hoy en día también se encuentra de baterista en la banda Infrahumano. Víctor Palma (Billy) en bajo, quien actualmente se encuentra trabajando de Luthier en la zona de Capital Federal de Buenos Aires, Argentina, y participó en bandas anteriores como Normandia y Altera Pars. Leandro Napolitano en guitarras, quien me acompaña en esta lucha hace 10 años, y en voz, Claudio Martínez, el pelado.
De Nuestra Tierra es un álbum que contó con la participación de reconocidos músicos argentinos. ¿Qué representó para ustedes haber tenido estas colaboraciones en su primer álbum?
Es verdad, en De Nuestra Tierra participaron Gustavo Cipriano (cantante de El Reloj, banda muy reconocida acá en Argentina en el rock progresivo desde los años 80), Claudio Tano Marciello (guitarrista de Almafuerte, banda muy reconocida en Argentina en el ámbito del Rock pesado y el Metal) y Juan Locomotora Esposito (baterista de El Reloj, que fue el baterista que trajo el doble bombo a la Argentina, lamentablemente fallecido el año pasado en 2016).
Nos representó muchísima alegría porque, más allá de poder estar grabando nuestro primer material, lo estábamos haciendo con personas muy importantes en el ámbito del Metal, las cuales nos daban todo su apoyo para que pudiéramos seguir creciendo día a día, con lo que nos encontramos agradecidos eternamente.
Tengo la sensación que el disco De Nuestra Tierra está teniendo muy buena aceptación y repercusión. ¿Siente lo mismo? De Nuestra Tierra tuvo mucha más repercusión de la que nosotros estábamos esperando. Fue aceptado por muchísima gente en el ámbito del Metal, y tuvo muchas buenas críticas en revistas de Metal como Headbangers y Efecto Metal, como también en prácticamente todos los Fanzines que actualmente están haciendo publicidad de Metal, como Metallica Fanzine, etc.
¿Qué representó para la banda plasmar este disco? Hoy, transcurrido un cierto tiempo desde su edición, ¿están satisfechos con el álbum? ¿Sienten que los representa en total forma?
Para VDH, grabar este disco representó el final de una etapa de mucho sacrificio y lucha para iniciar otra donde hay que caminar y mostrar nuestro arte, pero más que nada fue finalizar un ciclo que hacía varios años que tratábamos de cerrar y no podíamos por todas las trabas que nos surgían.
Estamos muy conformes con el audio final del disco. Escuchándolo después de dos años le seguimos encontrando ese gustito a audio limpio y lindo que buscábamos. Excelente trabajo realizado por Federico Días en Lairs Studios.
VDH, un nombre sugerente para una banda, Vicio De Hermanos. ¿Por qué este nombre? ¿Es así la relación entre ustedes, de hermandad?
Sí. Realmente muchos han pasado y muchos nos han criticado, pero si esta hermandad no fuera verdadera yo creo que no hubiéramos durado todos estos años.
La banda estuvo desintegrada por un tiempo. ¿A qué se debió el periodo de inactividad de la banda? ¿Qué los motivó a reagruparse nuevamente y continuar adelante?
Así es. La banda se había disuelto en un momento donde yo (Claudio) me encontraba pasando por una situación no muy favorable en mi vida. Hubo varias discusiones internas en ese momento, y decidimos separarnos. Yo terminé yéndome a vivir a dos horas y media en colectivo del barrio donde yo nací. Por ese motivo se nos hacía prácticamente imposible poder seguir con los ensayos, y poder profundizar en la profesionalización de la banda.
Después de un tiempo, Leandro (guitarra) vino a buscarme, y me planteó que nos volviéramos a juntar nuevamente, pero solamente él y yo de la antigua formación. Así es como de nuevo arrancamos a buscar integrantes para la nueva formación de VDH en 2012, ya con la idea fija de grabar un disco de estudio profesional.
Háblanos un poco sobre la lírica y temática de VDH, ¿qué quieres transmitir con la música y la letra? ¿Qué bandas los han inspirado en toda su trayectoria?
Yo creo que la letra y música de VDH es especialmente particular al margen de cualquier otra banda. Las canciones pueden llevarte para lados inesperados, y que hables de lo que menos puede pasarte por la cabeza. Ya sea situaciones vividas, historias, reflexiones, realidades, etc. Hay muchas bandas que nos han sido de influencia desde Pibes con Leandro, bandas como Hermética, Almafuerte, Horcas, Iron Maiden, Judas Priest, Megadeth, Dream Theater, Serpentor, etc.
¿Cómo ves la escena en Argentina? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia el Metal en general?
La escena en Argentina está más viva que nunca. Hay muchísimas bandas emergentes. Puedo destacar muchísimas como Exilio, Sobre tus Cenizas, No Guerra, Calvario, Osamenta, Thorax, Jeriko, Watchmen, Horcas, y puedo seguir nombrando. Apoyo hacia el Metal no hay mucho.
La mayoría que “apoya” al Metal, y son medios muy importantes, cobran una fortuna, pero sí hay apoyo haciendo el Rock o Rock pesado en canales de aire, y públicos donde muestran bandas emergentes y también dan clases de música como el caballero Diego Mizhrahi.
En cuanto a conciertos, ¿están muy activos en esta materia? ¿Cuáles han sido los conciertos más importantes de la banda y con quién han tenido el gusto de compartir escenario?
Actualmente VDH viene frenando un poco los conciertos por el tema de la composición de los temas para el segundo disco. Por suerte, pudimos compartir escenario con varias bandas de renombre como Almafuerte, Horcas, Tano Marciello, Jeriko, Serpentor, Buenos Aires Rock Pesado, etc.
Con casi una década tiene que ser muy satisfactorio ver que todavía llegan a nueva gente en nuevos territorios. A nivel latinoamericano, ¿qué respuestas tuvieron del exterior? ¿Tienen propuestas para hacer giras?
Es muy lindo ver la reacción de la gente y ver cómo nuevas personas escuchan nuestra música y les atrae muchísimo, nos piden discos, remeras, nos hablan y comparten las cosas que sintieron y sienten al escuchar nuestra música…, es algo que no se paga con nada. Las respuestas del exterior fueron muy buenas.
Estamos caratulados como una de las bandas exponentes del Heavy Metal Argentino Emergente, tuvimos varias propuestas para ir a tocar al exterior como Cuba, por ejemplo, pero por dificultades monetarias nunca pudimos ir.
Claudio, tú has estado siempre haciendo música en algunos proyectos personales, incluso estuviste impartiendo clases de canto. Cuéntanos un poco sobre este lado de tu trayectoria.
Siempre trato de no estancarme en el tema musical, porque lo tomo como algo que no tiene un conocimiento final, sino que la música cada día te sorprende más y más. Por eso grabé varios temas como solista y en otros proyectos también como artista invitado, como en el actual disco salido del horno de mis amigos de Predicador Metal, y por eso también me incorporé a la banda de Thrash Thorax como su nuevo vocalista, en la cual ya grabamos el adelanto del segundo disco oficial, y nos encontramos grabando el material final del segundo disco.
También hace dos años que vengo dando clases de canto personalizadas, y ahora estoy empezando con las Clases de Canto Online vía Skype para que cualquier persona que tenga una buena conexión a Internet pueda tomar clases de canto donde quiera que esté.
Y este año estuve estudiando todo lo que es grabación, edición, mezcla y masterizacion, por lo que los discos de Thorax y VDH van a estar producidos por mí totalmente.
¿Tiene alguna particularidad el que la banda resida en Buenos Aires, siendo sin duda una de las ciudades de Argentina donde existe mayor cantidad de público para el Metal? ¿Tiene algo en especial el público de esta ciudad en comparación al de otras partes del país?
El público que vive en la Ciudad de Buenos Aires tiene la posibilidad de elegir a las bandas que quieran ir a ver un viernes o un sábado a la noche. Mira la agenda y tiene fácil 5 o 6 fechas para ir a ver bandas de Metal.
En cambio, el público que vive en el interior no goza de esta facilidad. Ya sé los lugares donde se realizan fechas de Metal en el interior, son muy controlados y la mayoría están prácticamente monopolizados por el gobierno provincial para dejar que se ejecuten los recitales que a ellos les parecen convenientes, como, por ejemplo, les pasó a los muchachos de Vorax, que yendo a tocar al interior se encontraron con la gendarmería en la entrada del pueblo, prohibiéndoles el ingreso a éste e informándoles que el lugar donde se realizaría el show se encontraba clausurado.
¿Hay algunos adelantos para un posible nuevo álbum? ¿En caso afirmativo, se podría adelantar algún detalle?
Sí. Se viene un nuevo álbum para VDH. Yo creo que va a estar saliendo para principios del año que viene. Actualmente tenemos la mitad del disco ya compuesto, y seguimos componiendo los temas que faltan hasta para alcanzar 11 o 12 temas aproximadamente.
Los temas tratan mayormente de una problemática social general, tratando de reclamar nuestros derechos pisoteados por el gobierno. Seguramente haya algún adelanto para fines de año posiblemente.
Gracias por responder a estas preguntas. ¿Algunas palabras que quieras hacerles llegar al público?
De nada. Muchísimas gracias a ustedes por haberse tomado el tiempo de generar esta entrevista para con la banda. Nos encontramos muy contentos de que nos tengan en cuenta y estén preocupándose contínuamente por el transcurso y el progreso de VDH.
Les mandamos un abrazo gigante a todos los que forman parte de su staff, y a todos nuestros hermanos del Metal que día a día nos dan esa mano firme que nos deja seguir avanzando. Los queremos mucho, ¡Aguante el Metal Emergente!
J-Jota, un joven soñador que apuesta por su país y, a pesar de la situación que actualmente está viviendo, sigue haciendo música. En esta entrega nos estará hablando de sus proyectos y de su más reciente sencillo “Bonita”. Así que, sin mas preámbulo, conozcamos a J-Jota!
¿Cómo nace J-Jota?
Nace en el año 2012, luego de haber estado en una agrupación llamada Daik por varios años. Tras salir de la misma, corrí con la bendición de quedar con bastantes fans que me impulsaron a sacar mi proyecto en solitario. Mis fans han sido el motor de mi carrera.
¿Cómo ha sido el proceso para darte a conocer?
Ha sido un proceso que comenzó por Twitter en el año 2013, cuando colgué mi primer tema titulado “Amor del pasado”. El tema fue publicado para ver qué tal era la receptividad de mis fanáticas y el público en general. Gracias a Dios fue impresionante la aceptación del tema. A partir de ahí empecé a hacer promoción en la radio, tv y medios digitales con los demás temas hasta el sol de hoy.
Háblanos de tu más reciente sencillo, “Bonita”.
“Bonita” es un tema de mi autoría. Dedicado a las mujeres. Se basa en decirle a tu pareja, o a la persona con la que compartes, lo mucho que la amas y lo bien que la pasan juntos. Es una canción para dedicar. Fue producida por Miranda, Chacon y Mr. Bereck. El tema fue grabado con músicos totalmente en vivo.
¿Cómo es la vida de un músico en Venezuela?
Es un poco fuerte, ya que actualmente hay mucho talento, y eso te obliga como músico a estar innovando constantemente. El mercado venezolano demanda mucha música nueva.
¿Te consideras un artista urbano?
No me gusta etiquetar mi música por completo, porque siempre trato de mezclar sonidos con letras románticas. Vamos a decir que mi música tiene influencias urbanas porque tiene cierto plus de Beat más Reggaetón y Electro flow. Al final considero que cada tema se podrá definir por sí solo. Podrás escuchar un Merengue romántico súper bailable como también un Electro flow o un Reggaetón.
¿Qué te diferencia a ti de otros artistas en tu género?
Lo que me diferencia es que trato siempre de llevar letras románticas con sonido urbano, que cuando escuches un tema lo puedas bailar y a la vez dedicar.
¿Cuáles son tus próximos planes?
Próximamente estaré estrenando nuevo tema, y les adelanto que es más urbano, más para las discos. Este tema tendrá su respectivo video musical, y además vengo con un cambio de imagen.
¿Qué le dirías a la gente que está leyendo esta entrevista y quizás no haya escuchado o no conozca a J-Jota?
Los invito a que ingresen a mi canal de Youtube para que escuchen mis temas y así puedan conocer mi proyecto musical. También me pueden seguir en Instagram como @JJOficial.
El romántico del género urbano, agradecemos a J-Jota por su tiempo, y los invitamos a que lo sigan por sus redes y estén al tanto de sus próximos proyectos, que prometen enamorar a muchos corazones y poner a bailar hasta al perro.
En un mercado en el que la competencia es cada vez más grande, J-Jota se reinventa con sus melodías románticas de corte urbano, y promete que no dejarás de dedicar sus temas. La invitación es a que lo sigan por sus redes y estén al tanto de sus próximos proyectos.
Josh Acosta se presenta a escena con su primer single, “Tú no sabes cuánto”, un tema compuesto y producido por él mismo en la cual intervino en su proceso de creación Kiko Rodríguez Dabruk, de la mano de los ingenieros Benny Stelee (Justin Bieber, Jason Derulo) Nominado a un Grammy, y Tom Coyne (Taylor Swift, Adele, Beyoncé).
Dándole al sencillo un sonido Internacional, pasando en su proceso por Madrid, Los Angeles y Nueva York, y lo hace de la mano de su nueva discográfica M2 Music Group.
Josh Acosta a sus 22 años, está comenzando a conquistar el corazón de los amantes de la música urbana pop, y junto a sus miles de seguidores, poco a poco se está ganando un hueco en la música.
Conoce a Josh Acosta
Josh Acosta nació en Santa Cruz de Tenerife y vive en la ciudad de Madrid. Debido a sus inquietudes por la música decidió trasladarse a un sitio de oportunidades como es la capital.
A los 8 años se introdujo en este complicado mundo. Sabiendo que era su pasión, aprendió a desarrollar su habilidad musical con varios instrumentos, entre ellos, la guitarra, el bajo, la batería, el piano y su preferido, la voz. En su desarrollo a lo largo de los años, empezó tocar en fiestas locales de pueblo, colegios e institutos, llegando a sonar incluso en los 40 Principales Canarias con composiciones propias de su edad juvenil.
Si te quieres divertir, solo tienes que escuchar al príncipe del son”, eso y mucho más nos contó Yilmar Zilguero, un hombre versátil, que ve la música como el hilo que conecta toda existencia, es apasionado y entregado a todo lo que hace.
¿Cómo empezó su historia en la música?
Todo comenzó desde muy niño, escuchando música de colección con mi padre, Edgardo Silguero Torres. Él era un gran admirador de la música de Son, de cuerdas y boleros. En general de la música cubana y afroantillana.
¿Qué clase de músico se considera?
Versátil, de un gran oído con buena métrica, pongo el alma y sentimiento a todo lo que interpreto o compongo.
¿Se considera usted un salsero?
La Salsa es el producto de la evolución del Son. Si eso es así, me considero más un sonero que un salsero.
A parte de ser músico es médico. ¿Cómo se complementan ambas carreras y qué relación tienen?
Además de medico soy abogado. Es una combinación un tanto exótica, pero igual son artes que interactúan y que, aunque corren paralelas, convergen en un punto: sentimientos humanos.
Dicen que la música es una ciencia en la que día a día hay nuevos descubrimientos. ¿Coincide con esto?
La música va de la mano con la evolución de la humanidad misma. Los colores y los sonidos son propios de la naturaleza humana, por ende, la música como integrante fundamental de dicha evolución es cambiante y va a la par del mundo contemporáneo.
La música debe evolucionar, estamos de acuerdo con ello, pero en el género que interpreto dicha evolución no debe ir en contra vía de la esencia y de las raíces propias del ritmo, la síncopa o la clave, eso es fundamental.
¿Cree que la música tiene el poder de transportar al oyente a diferentes lugares?
Claro, no sólo a lugares, si no a momentos que han marcado la vida de quien la escucha, la disfruta o la interpreta. Retrotrae la memoria, activa y aumenta el flujo de recuerdos en el cerebro, a través de la producción, de lo que conocemos como neurotransmisores (serotonina/dopamina), generando excitación, placer, sueño, euforia o tristeza.
Todo depende de la tonalidad, el ritmo, la letra, el círculo armónico, y otro sin número de variables más.
Hablemos un poco de su nueva producción Colombia, Cuba y Puerto Rico, unidos en una sola voz.
Es una producción donde conjugamos varios verbos musicales, tres grandes naciones unidas por la voz de un colombiano con ascendencia cubana, pero barranquillero de nacimiento. En él plasmo una variedad de ritmos como el Son contemporáneo, la Trova cubana, el seis puertorriqueño…
En fin, un recorrido por lo más representativo de la cultura caribe y afroantillana, con una propuesta nueva enfocada hacia el SON LIGTH, continuando el legado del maestro Polo Montañez (Fernando Borrego Linares), un son lento pero alegre a su vez, romántico con una armonía y unos arreglos sutiles, delicados y trabajados con amor y sentimiento, con letras que exaltan a esa mujer femenina en su querer, en su andar y su pensar, romántica y que irradia luz, donde además implicamos a modo de sinergia el tres cubano con el cuatro puertorriqueño con el acordeón, las guitarras, el Babby Bass, una percusión que marca nuestra voz, y colores de voz que provocan exquisitez y sentimiento.
¿Cuál cree que es la esencia de su disco?
Mi esencia es cultura caribe, es un son moderno, evolucionado, del mundo y para el mundo, un son hecho a mi manera, a la de Yilmar Zilguero y su banda.
¿Cuáles son los planes a futuro para Yilmar Zilguero: giras, conciertos, viajes?
Inicialmente, terminar mi gira en Colombia. Ya hemos recorrido las cuatro ciudades más importantes. Hemos viajado a España este 28 de mayo. Centroamérica, Cuba, Puerto Rico y República Dominicana en el segundo semestre de este año, Dios mediante.
¿Qué le puede decir a la gente que no conoce de su música, cómo los invitaría a escucharlo?
Si te quieres divertir con encanto y con primor, sólo tienes que oír a Yilmar Zilguero, el príncipe del son.
Agradecemos a Yilmar Zilguero por su tiempo, su carisma, y su son, y les recordamos visitar sus redes sociales por donde podrán enterarse detalladamente sobre las fechas de su gira.
Antes de empezar con la entrevista me gustaría agradecerle de corazón a H Kanino y a todo su entorno la entrevista, y sobre todo la cercanía mostrada hacia mí, y decir que ha sido un honor poder realizar esta entrevista por todo lo anteriormente comentado y por ser seguidor suyo desde hace años, y mandarle a él y a su entorno un abrazo enorme y mucha fuerza.
¿Cómo surge H Kanino y cómo elegiste el nombre?
Pues surge como cualquier chaval de barrio obrero que, cansado de las injusticias, el abuso, la pobreza, la escasez y la necesidad, decide no callarse más, coger un micro y empezar a disparar.
Descubro el Rap por mi hermano mayor Jorge, allá a principios de los 90, aunque en mi casa siempre hemos escuchado buena música como The Doors, los Rolling, Led Zeppelin, Jethro Tull, Muddy Waters, etc. Desde el momento que descubro ese sonido tan crudo y tan contundente, de algún modo sé que yo quiero pertenecer a esta gran cultura que es el Hip Hop.
En la época que te hablo no hacía falta ser el mejor productor, ni el mejor MC, solo ganas de escribir, de desahogarte, conocer gente y de decirte a ti mismo que tú vales, que aunque todo esté en tu contra !!tú puedes con todo!! Eran otros tiempos y otra forma de entenderlo, pienso yo, también había ego y competi pero era superación continuamente, no chulería barata ni tonterías. Pues de ahí, de todo eso, de las cosas por las que he pasado y vivido, surge el nombre de H Kanino, la H de hombre y KANINO de sin pasta.
Si lo juntas ya lo tienes, H Kanino = Hombre sin pasta, pero echándole un par y tirando pa’lante. Eso sí, resumiéndolo un poco (risas).
Con Ozhe formaste un proyecto paralelo a H Kanino llamado LOCONLACE, con el que habéis grabado dos maquetas, y estáis en preparación de sacar el primer disco. ¿Qué puedes contar del mismo? LocoNlace siempre va a ser algo muy especial para nosotros. Fue el primer proyecto que hicimos juntos sólo Ozhe y yo, en el año 2003 si no recuerdo mal. Antes ya habíamos hecho cosas junto con más gente, pero con LocoNlace decidimos separarnos de todo y de todos, y hacer algo juntos.
Y ahí es donde se empezó a gestar algo más que un grupo y la idea de hacer cosas, se formó una amistad que ya va camino de 20 años que se dice pronto, y lo que nos queda. Lo que pasa es que no creo que volvamos a sacar algo como tal. Ahora estamos muy centrados en el nuevo disco, la preparación de los directos, vídeos, etc. Aunque no descarto nada, no sé si como LocoNlace o no, pero no descarto esa posibilidad.
Con H Kanino te acompañan Ozhe y DJNoan. ¿Desde cuándo trabajáis juntos? Ozhe es el que me aguanta y me da oxígeno y sus rimas demoledoras en los directos. Es como un hermano, y siempre que él quiera va a estar regalándome su arte y su magia. DjNoan es la orquesta, el scratch, el motor de H Kanino, el que suelta los ritmos y te hace votar, otro hermano más.
Noan y yo nos conocemos desde hace ya 22 años, cuando éramos unos niños con ganas de aprender esta forma de vida, de la cual no sabíamos apenas nada. Pero es a finales del 2005 cuando Ozhe, DjNoan y yo empezamos a trabajar más en serio, y desde entonces no hemos parado ni nos podrán parar. Nos queda cuerda para rato aunque a muchos eso les duela.
H Kanino también sufrió la censura por la cual os prohibieron actuar en la Sala Caracol de Madrid, tras vuestra participación en el festival “IrreductiblesFest”, que era a beneficio de los detenidos por la huelga del 14 Noviembre de 2013. ¿Cómo está la situación a día de hoy? ¿Os quitaron la prohibición de actuar en Madrid?
Bueno, eso la verdad es que fue una movida: policía por todas partes haciendo fotos a los grupos que estábamos allí, el público al final de la calle acordonado por la policía, en fin, una situación surrealista. Yo espero que sí podamos actuar, porque es nuestra ciudad y nos parece increíble que no nos dejen tocar en nuestra ciudad, y que censuren conciertos sólo por decir cosas que todo, o casi todo el mundo piensa.
A día de hoy no te lo puedo decir porque en Madrid, desde que pasó eso del IrreductiblesFest, nada más hemos podido tocar en la periferia, pero no en el centro. Así que cuando H Kanino hagamos la presentación del disco, que tenemos pensado hacerlo en una sala del centro, pues te lo diré.
¿Qué grupo hizo que quisieras dedicarte al Rap? ¿Cuáles te influencian a la hora de componer?
Son muchos los culpables que han hecho que me enganche a esto de soltar rimas sobre ritmos mientras el Dj mete scratches, no sólo uno. Por ejemplo, Nafri me parecía una bestia, los Bufank me flipaban, Kase O, el puto amo, y así muchos, Nazión Sur, Psicohiphopatas, la Zona Norte Posse, Mucho, etc. Pero sí que hay un grupo que me hizo entender lo que yo quería transmitir con mi música, ese grupo fue Alma Vacía, formado por Dahani, Paco Camaleón & Ars, ahora Carmona para el que no lo sepa.
Hoy día escucho de todo, desde Salsa hasta Rock, Cumbia, Flamenco, Soul, Blues…, y así suma y sigue. Yo no me cierro a descubrir o hacer cosas que a mí me resulten interesantes. Hay tanta música que no sabría decirte. De todo se puede influenciar uno, lo que hay que tener es la personalidad suficiente para saber cómo quiere sonar cada uno, no dejarse llevar por la corriente.
Eres de Vallecas. ¿Notas algún cambio en el barrio desde que Ahora Madrid está en el ayuntamiento?
Por desgracia yo personalmente no noto cambio alguno, aunque espero y deseo que así sea porque vallekas es un barrio como muchos otros castigados por el desempleo, los desahucios y la pobreza. Así que desde aquí animo a Ahora Madrid a que se note más su presencia en el barrio.
Tras 4 años sale Libertad, Orgullo, Dignidad y se compone de 17 canciones ¿Por qué elegiste este título? ¿Cómo ha sido el proceso de grabación?
Libertad, que te dan los años de experiencia para afrontar los baches en el camino y decir las cosas tal y como las vemos y sentimos.
Orgullo, necesario para pelear por lo tuyo sin dejarte pisotear por nada, ni nadie.
Dignidad, para seguir siendo uno mismo en cada momento y plantándole cara a las adversidades que vengan o nos quieran imponer.
Para mí eso es lo que transmite el título del disco y lo que a mí me representa. Tenemos el deber y la obligación de denunciar lo que hace este sistema corrupto con la única arma que nosotros, el pueblo, tenemos, la palabra.
El proceso de grabación ha sido largo y costoso por diferentes motivos, pero increíblemente gratificante. Empezamos a preparar el disco en 2014 porque la intención mía era sacar el disco en 2015, pero por motivos familiares y personales no pudo ser y tuvimos que parar el proyecto.
El 2016 para mí y mi familia ha sido un año malísimo por diferentes problemas, lo único o de las pocas cosas que me ha dado alas ha sido la grabación del disco, y el placer y la necesidad de soltar pensamientos al papel. Gran parte de culpa de que este año haya sacado disco es por mi hermano Jorge, que me ha metido mucha caña y ha estado encima mía dándome fuerza para tirar pa’lante con el disco.
Por lo demás ha sido un placer poder trabajar con Mario Olivares en CobraStudio, que es el culpable de que el disco suene tan contundente y con tan buen criterio. Ha sido grabado, mezclado y masterizado por él, poniendo también ritmos suyos a mi disco.
La verdad es que se ha involucrado desde el minuto uno, dando ideas y mostrando su entrega. Desde aquí se lo agradezco enormemente, aunque eso él ya lo sabe, pero es de bien nacido el ser agradecido. Así que gracias, Mario.
En la canción “Abre bien los ojos”, de tu nuevo disco, criticas la pose y la chulería de algunos raperos. ¿Es un beef o no va dirigido a nadie en especial?
Bueno, habrá opiniones de todo tipo, supongo. Yo lo que trato de decir en este tema es que el rap no sólo es decir lo mucho que valgo y lo bueno que soy, que no es una moda, es una forma de vida y hablar de nada, eso lo podemos hacer todos, unos con más estilo, otros con menos, pero que no es muy complicao vaya, que eso ya huele.
El Rap, a mi forma de entender, debe ser la voz de la calle, su lucha, su denuncia, su alegría, su arte, su picardía y su chulería, porque de la calle es de donde nace el Hip Hop.
Es por eso mi crítica contra esa nueva corriente que hay en la escena, pero el problema es que a esta gran cultura se le está sumando gente que ni siente ni padece. Lo ven como un negocio, y lo malo es que el público se lo cree, y se están cargando ese sentimiento que tantos han tratado de defender y proteger. Pero así es la vida.
Colaboran en el disco M.A.R.S de Habeas Corpus, Acción Sánchez, Maestro Sho Hai (Doble V) Daddy Cobra, H Mafia, Paco Camaleón, ¿Cómo surgieron estas colaboraciones?
Te olvidas también de Big Hozone, Sr Grave y Ni Puta Ideah, que han hecho varias producciones en el disco, y de lo que estoy enormemente agradecido. La verdad es que han sido regalos que nos han hecho cada uno de ellos, y surgen desde el respeto y la admiración.
Para mí, tanto Acción Sánchez como Big Hozone, Mario Olivares y Sr Grave, junto con unos cuantos más a los que admiro, me parecen de los mejores productores que hay en este país. Para mí ha sido y es un placer y un honor el que me dejen rapear sobre sus ritmos.
En cuanto a las colaboraciones vocales, Daddy Cobra ha estado en todo el proceso del disco y tenía que notarse de una forma más presente, y qué mejor manera que ese estribillaco que se ha marcado.
Paco Camaleón es como un hermano para mí. Nos conocemos desde hace ya tanto tiempo que ni lo recuerdo, pero aparte de ser un gran MC es una persona con una sabiduría y una forma de entender la vida como pocos. Es necesario gente así en la escena, y aparte nos debíamos una desde hace ya tiempo, y decidimos sacarnos este pedazo de tema que nos hemos hecho p’al disco, aunque más adelante puede que escuchéis mas cositas con él.
H Mafia son nuestros compadres, son mu buena gente y desde el primer momento que nos conocimos hubo conexión. Tenemos una forma muy parecida de hacer y entender el Rap, o eso creo yo. Aparte, ya habíamos trabajado en proyectos suyos, como su último disco, Crimen y castigo, el cual recomiendo que lo escuchéis porque es un discazo. Así que tocaba ya marcarse algo para lo mío y así ha sido. Jarkor puro!
De M.A.R.S qué decir, pues que es un fenómeno, tanto musicalmente como persona. Tengo que decir que aparte del tema que nos hemos hecho, también es el que ha hecho el diseño de la portada, libreto, etc., junto conmigo, pero más él que yo, he de reconocer. (Risas). De gente así siempre aprendes. Ten en cuenta que lleva la friolera de 23 años sacando discos y dando conciertos por todos los lados. Así que sabe un poco de cómo funciona esto de la música. Hemos hablado mucho este último año y me ha dado bastantes consejos, siempre se lo agradeceré.
Sho-Hai es un GRANDE en MAYÚSCULAS!! Una persona que transmite alegría allí por donde va. La verdad que puedo decir que tengo la suerte de conocer, aparte de a uno de los mejores MC de este país, a una gran persona totalmente humilde y sencilla. Sho-Hai es un crack. Le llevo siguiendo desde que tengo 15 años, y siempre ha sido algo que he querido hacer, un tema con él, y quién me lo iba a decir a mí, que muchos años después acabaría haciéndome un tema con uno de los más grandes del Rap nacional y parte del extranjero. Gracias por brindar con nosotros todos los que habéis hecho posible este disco.
Hoy en día parece que el Rap poco a poco está volviendo a sus orígenes, más rabioso, más político. Ejemplo de ello eres tú, Pablo Hasel, Arma x, o Lowkey, entre otros. ¿Crees que se está viviendo un buen momento a nivel nacional e internacional?
Lo que pienso es que por desgracia hay mucha gente dormida, preocupada sólo por cosas banales y tonterías sin importancia, como qué ropa me pongo o qué tipo tengo. Todavía somos pocos los que pensamos de una forma más panorámica de lo que realmente sucede tanto en nuestro país como en el mundo.
Nosotros no somos un grupo político, somos un grupo de amigos que hacemos música y denunciamos las injusticias que vivimos, sentimos y padecemos. Las etiquetas nunca me han gustado, pero entiendo que vivimos en una sociedad donde se etiqueta todo. Más Pablos, Armas X y Lowkeys hacen falta y no tanta música de pachanga que hablan de todo pero no dicen nada. El oportunismo me revienta.
En el programa La Tuerka se emitió tu videoclip “Huelga General”, e incluso Pablo Iglesias colaboró en tu disco Resistimos. ¿En qué consistió dicha colaboración? ¿Tenéis relación a día de hoy?
Pues en recitar una entradilla que él dijo en su programa. Recuerdo que Noan me comentó que esta frase le molaba mucho y que quería meterla, pero el audio del programa sonaba fatal, así que le pegamos un toque, le comentamos la idea y se vino pal estudio sin ningún problema, totalmente cooperativo. Quedó de lujo, la verdad.
A día de hoy no, no existe relación alguna. En el 2013 nos dijo que se vendría a algún concierto y todavía le estamos esperando, pero, oye, a lo mejor se pasa por alguno de los que tenemos ahora, nunca se sabe, aunque no lo creo ya que somos personas non gratas en parte de su entorno (risas).
¿Con qué artista te gustaría colaborar y todavía no ha sido posible?
Con uno que me hubiera encantado hacerme un tema pero que ya no va poder ser es con Canserbero. Siempre me ha parecido un chaval con una métrica y una lírica impresionante, decía grandes verdades y es una lástima que ya no esté entre nosotros.
Pero hay unos cuantos con los que también me gustaría soltar alguna que otra rima juntos, pero, bueno, todo se andará. Prefiero reservármelo, y así, si algún día se tercia, pues poder sorprender, que es lo bonito de la vida. (Risas)
¿En qué ciudades vas a actuar en las próximas fechas? ¿Vas a actuar fuera de España?
Pues ahora mismo estamos cerrando conciertos. Te puedo adelantar que casi seguro para finales de mayo estaremos por el País Vasco y Burgos, y para más adelante estamos hablando para hacer algo por Zaragoza, Asturias y Sevilla, pero eso todavía no está confirmado, pero la intención es estar en todos los lados donde nos dejen tocar.
Salir fuera sería lo suyo, pero si ya lo tenemos complicado aquí imagínate fuera, pero es algo que tenemos pendiente y que queremos hacer. A ver si este año podemos.
Hay artistas que además de ser músicos están vinculados a la política ¿Qué opinas al respecto? ¿Te ves a día de hoy perteneciendo a un partido político?
Para nada. Para mí, unos y otros son la misma mierda pero en diferente trasero. Yo soy del pueblo, que somos los que siempre pagamos el pato de una forma u otra. Eso no quiere decir que sea apolítico porque eso sí que no lo entiendo, pero eso es otro debate.
Es evidente que soy de Izquierdas, pero tampoco creo que ellos tengan la solución, porque por desgracia el poder corrompe a las personas, y los que dirigen los partidos casi siempre suelen ser personas sin escrúpulos que harán lo que sea por conseguir ese poder y usarlo a su antojo, no por ayudar al débil y dar comida al hambriento. Yo vivo en un sistema que nos imponen unos cuantos poderosos, y como tal, denuncio su abuso y su acoso.
¿Cómo podemos conseguir tus seguidores tu material?
Pues todo el que quiera merchan o los discos puede mandarnos un mensaje a infohkanino@gmail.com, o escribirnos al Facebook de H Kanino, y le ponemos al corriente de todo. Estamos preparando la web pero tardará un tiempo hasta tenerla operativa.
El nuevo disco también lo podéis encontrar físicamente en los Fnac de vuestras respectivas ciudades, o por digital en varias plataformas. Para todo lo demás, Instagram, Twitter, YouTube, etc.
Agradeciéndote de corazón la entrevista, ¿quieres dejar un mensaje a los lectores?
Gracias de corazón a LaCarne Magazine por el apoyo y echar un buen rato charlando con vosotros, que aquí estamos para lo que necesitéis.
Y para la gente, que luchen por lo que quieran con uñas y dientes, que no decaigan, que todos somos importantes y seres únicos y maravillosos con nuestros defectos y nuestras virtudes. Que no nos olvidemos de los que sufren, que ellos también sienten y son personas, y que confies siempre en tí, que todo lo bueno está por venir.
Y gracias a tod@s por dedicar un poco de vuestro tiempo a leer esta entrevista. Paz y amor!
Universal Music publicará en septiembre la última Producción, “La Trenza” de Mon Laferte en España. La artista vendrá a nuestro país en septiembre, para promocionar el disco y su Gira en Noviembre por nuestro país.
Mon Laferte, cantante, compositora e instrumentista chilena, originaria de Viña del Mar. Su álbum Vol 1 fue certificado como disco de platino, más oro en México y es doble disco de platino digital en Chile. Esa misma producción alcanzó la categoría de #1 Viral de Spotifyy iTunes México.
De Vol.1, se desprendieron los sencillos: “Tu falta de querer” es doble platino en México y, adicionalmente, se ubicó durante cuatro semanas, en el Top 20 de la radio del país. Por otra parte, los temas “Amor completo” y “Si tú me quisieras”, llegaron a la categoría de oro en México.
Con el álbum Vol. 1, Mon Laferte obtuvo doble disco de platino más oro (México), y es poseedora de dos premios MTV 2016 y Artista Buzz, además de haber sido nominada a dos premios Latin Grammy 2016, en las categorías de “Mejor nuevo artista” y “Mejor álbum alternativo del año”. Así mismo, consiguió dos nominaciones a los premios EMA´s Mtv, incluyendola de “Mejor nuevo artista norte”. El cala Telehit de México le otorgó el trofeo como “Mejor Artista Rock en Español 2016”.
Mon Laferte también ha sido reconocida en Sudamérica ya que fue nombrada “Mejor nueva artista de la Nueva Ola Latinoamericana” en los Premios Shock de Colombia. En el reciente Festival de Viña del Mar, como reconocimiento a una actuación delirante, le fueron entregadas las codiciadas preseas Gaviota de Plata y Gaviota de Oro.
La cantautora realizó una gira de 120 presentaciones en Estados Unidos, México y Chile y USA, en todas las fechas agotó las localidades, incluyendo el concierto en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, el Teatro Cariola de Chile y el Roxy de Los Ángeles, California.
En febrero de 2017, Mon Laferte estrenó su más reciente sencillo “Amárrame” con la colaboración del artista colombiano Juanes. Este tema, que llegó al #1 Viral de Chile, México, Ecuador y otros países, estará incluido en su nuevo material discográfico. La canción también fue tendencia en YouTube Chile.
La nueva gira internacional del 2017 de Mon Laferte, #AmárrameTour, recorrerá ciudades de Estados Unidos, México, Perú, Canadá, Chile, Colombia y Argentina.
Dentro de las presentaciones de Mon Laferte para este año, está confirmada su participación en el OutsideLands Festival 2017 y dos conciertos, uno en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México y otro en el Pabellón M de Moterrey, Nuevo León, ambos para el mes de octubre próximo.
Jockerts y RabbyG, dos amigos con un sueño en común: ser Djs reconocidos internacionalmente.
A pesar de los obstáculos que se encuentran en su camino, estos dos artistas siguen con el mismo ánimo de aprender y crecer en el mundo de la música. Con tal de sentir esa adrenalina en el momento de estar frente al público, todas esas dificultades son mínimas para este par de Djs venezolanos.
¿Cómo fue su inicio en el mundo de la música?
A finales del 2013 iniciamos el dúo Jockerts y RabbyG. Todo comenzó cuando Fernando Rafael Gamboa, RabbyG, empezó a pinchar en Virtual Dj. Luis David Leal, Jockerts, era su vecino desde hace muchos años, y se la pasaba con él en todo momento. Más que amigos, hermanos desde la infancia, se tenían mucha confianza. RabbyG le enseñó el nuevo software a Jockerts, y a él le gustó. A la semana hicimos unos ahorros y compramos nuestra primera consola, una Behringer 2000.
¿Qué genero electrónico prefieren? ¿Por qué?
Progressive House, y House. Son géneros muy enérgicos y muy bailables, sobre todo por el hecho de que el House combina perfectamente con voces a capelas latinas.
¿Cuál ha sido el mayor obstáculo en su carrera como músicos?
Nuestro mayor obstáculo ha sido surgir en nuestro país, ya que estamos pasando por una situación muy difícil y los instrumentos para producir o pinchar no se consiguen, sino en el extranjero. O se consiguen, pero con un costo muy elevado, aunque seguimos luchando por nuestras metas sin importar los obstáculos que se presenten.
¿Qué sensación tienen cuando están frente al público?
Es única. Por lo general siempre estamos nerviosos, con mucha adrenalina al momento de salir frente al público.
¿Qué ha sido lo más loco que han presenciado en una presentación?
En nuestro primer toque frente a 2000 personas, se nos apagaron los equipos y todos se nos quedaron viendo como que “qué malos djs”.
¿Cómo se describirían el uno al otro?
Jockerts es del tipo de persona enérgica y a la vez reservado. En cambio, RabbyG es del tipo de persona muy reservada y madura a la hora de trabajar. Ambos somos personas sociables que les apasiona llevar lo mejor de su música a su público.
¿Cuál ha sido la mejor experiencia que han tenido en una presentación?
Que todas las personas nos aplaudan y nos feliciten al terminar nuestra presentación.
¿Algún protocolo antes de subir al escenario?
Siempre pedirle a Dios que nos salga todo bien.
¿Han pensado en separarse alguna vez?
En este año 2017 le ha cambiado la vida radicalmente a Jockerts, y tiene que tomar una gran decisión, y es quedarse en su país o irse a Chile, pero a pesar de esto no planeamos dejar de ser un dúo. Aunque estemos distanciados y tocando separados, seguiremos siendo Jockerts y RabbyG.
¿Cuál es su visión a futuro?
Ser reconocidos tanto nacional como internacionalmente, tocar en los mejores festivales y eventos de nuestro país o de otros países, y trabajar con Djs reconocidos.
Más información sobre Jockerts y RabbyG en el siguiente enlace: Ver Instagram
Cuba es un país que ha querido y sabido encauzar la enseñanza de la música desde la infancia, de modo que ésta, es una más de las actividades sociales que distinguen la nacionalidad cubana. La fuerza melódica y rítmica que distinguen sus más auténticos sones forma parte del patrimonio espiritual de sus habitantes, habiendo dado grandes artistas de todos los géneros.
La música es uno de los grandes valores del pueblo cubano. Esa labor educativa tan envidiada como debiera ser en nuestro entorno, se debe en buena parte a Cuca Rivero, la mujer que hizo cantar a generaciones de cubanos desde la edad escolar, a través de la Radio, en programas educativos hechos desinteresadamente, con una pasión, una dedicación, un compromiso y un talento que la han convertido en personalidad cumbre de la música cubana.
“Cuba es un país bailador, los cubanos son muy buenos bailando y les encanta el baile, pero no tienen la tradición de cantar”, había dicho. Y ella se encomendó esa tarea.
Este mes de junio se conmemora el centenario de su nacimiento. No ha llegado a celebrarlo por muy poco. Cuca Rivero murió el pasado mes de marzo a los 99 años, pero su recuerdo estará siempre.
He tenido yo la suerte de poder contactar con Silvia Rodríguez, pintora exquisita e hija de Cuca, y con el esposo de aquella, José Mª Vitier, el grandísimo pianista a la vez que inspirado compositor de tantas bandas sonoras como las de “Fresa y Chocolate” y “Cosas que dejé en la Habana”, entre otras.
Amablemente han contestado a mis preguntas destinadas a conocer más de cerca la figura de Cuca Rivero, la gran maestra.
Cuca Rivero, una mujer adelantada a su época
¿Silvia, cómo era Cuca Rivero?
Mi madre era una mujer alegre, simpática, muy distraída, lo que la hacía protagonista de muchas anécdotas divertidas que ocurrían a consecuencia de sus distracciones, y que ella las convertía en historias magníficas y divertidas. Desde niña los cuentos que yo prefería oír eran los de la vida real contados por ella.
A la vez era una mujer de gran carácter, con una personalidad fuerte y estoica. Se acostumbró desde muy joven a luchar por sus metas y a no pedir nada a cambio. A pesar de las duras pruebas que la vida puso en su camino, no perdió nunca su alegría, su optimismo y la confianza en sí misma y en los valores que defendía.
La imagino como una persona adelantada a su tiempo. Muy moderna. ¿Era así?
Ella fue siempre una persona básicamente independiente y segura de sí. Graduada en la Universidad de la Habana como Dra. en Farmacia, después de cumplir con el compromiso de estudiar lo que era conveniente para el negocio familiar, decidió abrirse paso también en la actividad que más disfrutaba y que había estudiado desde niña, la música.
Logró así trazar y avanzar en sus objetivos profesionales vinculados a la música, incluso durante la primera etapa de su vida, cuando la sociedad cubana no favorecía el destaque intelectual y profesional de la mujer. Ella supo abrirse paso desde muy joven, y encontró los mentores adecuados para dar curso a sus inclinaciones artísticas y ocupar un sitio destacado en nuestro panorama musical. Viendo su vida en su conjunto fue, sin dudas, una mujer adelantada a su tiempo.
¿En qué orden podría colocarse su aportación a la cultura musical en Cuba?
Creo que esa aportación se produce en varias esferas. Habría que incluir su labor fundadora en el terreno de la música coral en Cuba, su protagonismo en la fundación de la televisión cubana gracias a la presencia del coro que se nombró “Coro de Cuca Rivero” en los programas estelares de la TV de la época, su infatigable defensa de los valores musicales patrios, su labor de pedagoga e investigadora, y sobre todo su invaluable aporte a la educación artística de los niños, como parte de la enseñanza general.
¿Qué caracteriza su labor con los niños? ¿Tenía tal vez un sistema?
Mi madre inventó un sistema ingeniosísimo para enseñar música a través de la radio. Se basó para ello en su experiencia personal en el trabajo de montaje de los repertorios a los coros para los que escribía los arreglos y dirigía, así como en la consulta de las innovadoras investigaciones pedagógicas europeas en las que encontró el pensamiento más avanzado en este tema para su época, y las adaptó a las circunstancias totalmente diferentes de la vida nacional en los 70-80, con el objetivo de la enseñanza masiva de la música a los estudiantes de primaria a través de la radio en todas las escuelas del país.
Dedicó a ello más de 20 años, y su exitoso sistema fue el fruto de una pasión incesante que perfeccionó hasta lograr los resultados a que aspiraba, y con ello puso a la disposición de todos los niños cubanos, a instrumentistas y cantantes de altísimo nivel, para que tocaran y cantaran para ellos y así enriquecer su espíritu, difundir en esas edades lo mejor de nuestra música, que fueran capaces de distinguir el sonido de cada instrumento, colocar debidamente sus voces para cantar, aprender un repertorio selecto de música y canciones, y todo ello a través de la Radio, porque siempre pensó y comprobó que era precisamente la radio el medio idóneo para desarrollar no sólo las habilidades musicales, sino, más aún, la imaginación sonora y creativa de los niños.
¿Por qué la llamaban “la profesora invisible”?
Ella se puso así porque entendió que ese nombre iba a ser atractivo para los niños, que la escucharían por la radio y nunca verían a la profesora que tan familiarmente se dirigía a ellos. Fue sin dudas un acierto, fue un sobrenombre perfecto, ya que lo único que conocían y reconocían sus alumnos a través de las clases radiales era su voz.
¿Supongo que tendría una bonita y persuasiva voz?
Tenía una voz persuasiva y nunca impositiva. Una voz sonriente. Cuidaba mucho la colocación de la voz para cantar y también para hablar. Todo en su programa tenía que ser modelo de buen decir y sonar.
¿Que predominó en su larga trayectoria: la pedagogía, la dirección coral, el aspecto organizativo que según dicen poseía?
Predominó sin dudas la pedagogía musical a la que consagró todas sus fuerzas. Su importante labor como directora de coros o como asesora musical de la televisión, actividades a las que dedicó muchos años de su vida, quizás no fueron mas que una extensión de ese afán pedagógico.
¿Hasta donde llegó su popularidad?
En una primera etapa fue muy conocida por el trabajo con el coro que llevaba su nombre, ya que se presentaba en los programas estelares de la televisión de los años 50 cuando se fundaba ese medio en Cuba.
Después tuvo a su cargo la formación y dirección del Coro ICRT, así como el Coro de la Escuela de Instructores de Arte, en los años 60. En la dirección de todos estos coros logró gran reconocimiento.
En un momento, que duró en realidad unos 20 años, su popularidad entre el “público” infantil de sus alumnos radiales, que llegaron a sumar un millón de educandos, fue inmensa. Pero antes, durante y después de eso, su carisma personal le ganó siempre la simpatía de todo el que la conoció. Es la verdad.
Creo que se relacionó con lo más grande de la música cubana. ¿Es así?
Tuvo el privilegio de conocer y colaborar musicalmente con lo mejor de su tiempo. No sólo artísticamente, sino también en el plano humano. Su círculo de amigos fue un trozo de nuestra historia cultural.
Basta mencionar algunos nombres: Gonzalo Roig, Adolfo Guzmán, Alberto Alonso, Mario Romeu, Bola de Nieve, Ernesto Lecuona, Alicia Alonso, Mirtha Aguirre, Cintio Vitier, Esther Borja, Carballido Rey, Marcos Behemaras, entre muchos otros.
Recibió importantes distinciones en vida. Ahora que se ha ido y con motivo de su centenario, ¿queda pendiente un gran homenaje a su recuerdo?
Creo que pocas personas en Cuba atesoran 3 premios nacionales. Ella obtuvo el Premio Nacional de Radio, el Premio Nacional de Televisión y el Premio Nacional de Música. Quisiéramos hacer algo por sus 100 años que se hubieran celebrado el próximo 25 de junio. Ya muchos amigos, artistas muy reconocidos, han dicho que quisieran estar y entregar algo de su arte en ese encuentro.
Para mí y para mi hermano, ha sido muy gratificante recibir en los días tristes de su muerte, el testimonio del cariño de muchas personas que se acercaron a la música gracias a ella cuando eran niños, y que la recuerdan como un momento mágico de sus vidas.
Así mismo, recibimos testimonios del afecto y respeto profesional de los más altos exponentes de nuestra cultura, haciéndonos sentir que la pérdida no había sido solamente nuestra, sino que Cuca Rivero estaba en el recuerdo, en el cariño, y curiosamente en el origen del destino artístico de muchos de los que hoy son glorias y orgullo de la música cubana.
¿Qué ha heredado Silvia Rodríguez Rivero de su madre?
No sé si en realidad lo he heredado, pero creo reconocerme en su persistencia, en su sensibilidad artística y en el gusto por la creación.
Tras las palabras de sus seres más queridos está la admiración de tantos y tantos cubanos que recibieron sus enseñanzas, o de artistas que trabajaron junto a ella. Es el caso de la gran soprano Alina Sánchez, que compartió la grabación que en 1990 se hizo de la zarzuela de Gonzalo Roig, “CECILIA VALDÉS”, grabación en la que Alina asumía el papel protagonista, y Cuca Rivero dirigía el coro.
El testimonio de Alina Sánchez es también de gran valor. Ésta es la carta que me envía:
“Para Paquita
De Alina
Sobre Cuca Rivero
Conocí a Cuca Rivero en esa edad en la que estás llena de ilusiones y también de incertidumbres, cuando empiezas una carrera y nadie sabe siquiera que existes, cuando todo lo tienes que demostrar. Yo era estudiante de la Universidad de la Habana, y en el Departamento de Extensión Cultural se decidió montar la zarzuela Cecilia Valdés de Gonzalo Roig. Todos los intérpretes éramos alumnos universitarios.
Cuca Rivero era en ese momento la directora musical del programa Álbum de Cuba, dirigido por Ernesto Casas, y en el cual Esther Borja, una de las grandes de la cultura cubana, era la figura principal, presentadora y cantante. Cuando su entrañable amiga María Luisa, mamá de José Ramón Artigas, destacado director de televisión y espectáculos, nos presentó, Cuca me abrió las puertas de su programa estelar. Yo era sólo una joven principiante.
A partir de ese momento, gracias a ella se me abrieron todas las puertas de la televisión. Los programas de música culta eran habituales en la programación. Cuca era de esas personas que dedican su tiempo a la superación de los jóvenes. Nunca dejaba de ayudar y aconsejar. En su casa se respiraba arte, se disfrutaba la música y la conversación junto a su hija, la pintora y productora Silvia Rodríguez Rivero, casada con el gran compositor y pianista José María Vitier.
Me regaló partituras maravillosas de canciones de Villa Lobos, Ginastera, Ponce, y me ayudó en la interpretación de esa música. Años más tarde, cuando ya había avanzado en mi carrera profesional, fue un verdadero placer volver a trabajar junto a ella en la grabación de Cecilia Valdés. Tenía un conocimiento profundo de la música cubana, tanto del repertorio coral, como de las obras interpretadas por solistas. Y todo ello, adornado con su sencillez extraordinaria, con su sonrisa inolvidable y su dulzura maternal.
Siempre la recordaré con agradecimiento. Los intérpretes líricos de Cuba estamos en deuda con esta gran dama de la cultura cubana”.
Bien, hablemos nuevamente de su álbum debut “Armamento de Piel y Hueso”, que salió luego de mucho tiempo de formada la banda. ¿Qué concepto encierra éste? ¿Crees que con esta grabación la banda demostró todo su potencial, o aún quedan algunas sorpresas más?
¿Cuál es el concepto general que Thorax, como banda de Thrash Metal, pretende entregarnos?
Cuéntanos algunos datos técnicos. ¿Dónde y con quién has grabado Regresar? ¿Invitados, la producción…? ¿Hay algo en este cuarto disco que no hubiese hecho antes? ¿Algo especial?
Hablemos de las presentaciones. Alrededor de 10 años alejado de los escenarios cubanos, pero ya has realizado algunas presentaciones y compartido con importantes músicos cubanos. ¿Cómo ha sido la acogida que has tenido? ¿Cómo te han recibido los fans?
¿En algún momento te has sido intimidado por el tipo de temáticas que tratas en tu música?
Versoix presenta nuevo disco junto a Loquillo, Rosendo y Los Zigarros
VDH es una banda de Heavy Metal procedente de Argentina. Sus comienzos se remontan al 2007, cuando Claudio Martínez, luego de la separación de su anterior banda, empezó la búsqueda de músicos para una nueva formación. VDH es una banda influenciada por bandas nacionales como Hermética, Almafuerte, El Reloj y bandas internacionales como Dream Theater o Steve Vai, entre otras. En ocasión de la preparación de su segundo álbum, les ofrezco esta entrevista respondida gentilmente para LaCarne Magazine por su vocalista Claudio Martínez.
Tengo la sensación que el disco De Nuestra Tierra está teniendo muy buena aceptación y repercusión. ¿Siente lo mismo?
¿Cómo ves la escena en Argentina? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia el Metal en general?
J-Jota, un joven soñador que apuesta por su país y, a pesar de la situación que actualmente está viviendo, sigue haciendo música. En esta entrega nos estará hablando de sus proyectos y de su más reciente sencillo “Bonita”. Así que, sin mas preámbulo, conozcamos a J-Jota!
Josh Acosta se presenta a escena con su primer single, “Tú no sabes cuánto”, un tema compuesto y producido por él mismo en la cual intervino en su proceso de creación Kiko Rodríguez Dabruk, de la mano de los ingenieros Benny Stelee (Justin Bieber, Jason Derulo) Nominado a un Grammy, y Tom Coyne (Taylor Swift, Adele, Beyoncé).
Antes de empezar con la entrevista me gustaría agradecerle de corazón a H Kanino y a todo su entorno la entrevista, y sobre todo la cercanía mostrada hacia mí, y decir que ha sido un honor poder realizar esta entrevista por todo lo anteriormente comentado y por ser seguidor suyo desde hace años, y mandarle a él y a su entorno un abrazo enorme y mucha fuerza.
¿Qué grupo hizo que quisieras dedicarte al Rap? ¿Cuáles te influencian a la hora de componer?
Hoy en día parece que el Rap poco a poco está volviendo a sus orígenes, más rabioso, más político. Ejemplo de ello eres tú, Pablo Hasel, Arma x, o Lowkey, entre otros. ¿Crees que se está viviendo un buen momento a nivel nacional e internacional?
Hay artistas que además de ser músicos están vinculados a la política ¿Qué opinas al respecto? ¿Te ves a día de hoy perteneciendo a un partido político?
Universal Music publicará en septiembre la última Producción, “La Trenza” de Mon Laferte en España. La artista vendrá a nuestro país en septiembre, para promocionar el disco y su Gira en Noviembre por nuestro país.
¿Cuál ha sido el mayor obstáculo en su carrera como músicos?
Cuba es un país que ha querido y sabido encauzar la enseñanza de la música desde la infancia, de modo que ésta, es una más de las actividades sociales que distinguen la nacionalidad cubana. La fuerza melódica y rítmica que distinguen sus más auténticos sones forma parte del patrimonio espiritual de sus habitantes, habiendo dado grandes artistas de todos los géneros.
¿Silvia, cómo era Cuca Rivero?
¿Por qué la llamaban “la profesora invisible”?
Conocí a Cuca Rivero en esa edad en la que estás llena de ilusiones y también de incertidumbres, cuando empiezas una carrera y nadie sabe siquiera que existes, cuando todo lo tienes que demostrar. Yo era estudiante de la Universidad de la Habana, y en el Departamento de Extensión Cultural se decidió montar la zarzuela Cecilia Valdés de Gonzalo Roig. Todos los intérpretes éramos alumnos universitarios.