Epica y sus mejores vídeos en Youtube

Hemos dedicado más de un artículo a la banda holandesa Epica, y es que estos chicos tiene la capacidad de superarse a sí mismos en cada trabajo. Hace casi un año, nuestra colaboradora Eva Aroca hacía esta reseña de su trabajo Design your universe, y no hace mucho, nos contaba algunos detalles de su disco The Quantum Enigma, B-Sides.

Y es que Epica es una banda imparable, capaz de soprendernos en cada disco. Cuentan con 8 discos de estudio (contando con el último que aún no se ha publicado), y 2 Eps y grandes temas de Metal Sinfónico que son ya todo un himno de la banda.

La banda ha trabajado mucho para llegar donde están, y es que actualmente es una de las bandas referentes de este estilo. Epica tienen un pasado, como todas las bandas, y por qué no hacer una repaso de esa historia? Además de recorrer su trayectoria musical, veremos algunos de los mejores videos de la banda para amenizar la lectura.

¿Preparados para una buena sesión de Metal Sinfónico? Id calentando vuestras cuerdas vocales para cantar los temas, que empezamos.

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Epica, Metal Sinfónico con estilo propio

Epica nació allá por el 2002, y su miembro fundador fue Mark Jansen, actual guitarrista de la banda. Él ya había formado parte de otra banda más o menos del mismo estilo, pero claro, en Epica podía contar con la super voz de la gran Simone Simons.

Esa mezcla de una voz mezzosoprano, con voces guturales, mezcladas con Metal y en ocasiones con algo más de progresivo, algunos coros y sonidos orquestales, hicieron que Epica marcara su propio estilo dentro del Metal Sinfónico.

En un principio la banda se hacía llamar Sahara Dust, pero finalmente decidieron cambiarlo por el de Epica, porque, según afirmaba su fundador, Epica tiene el mismo significado que la mayoría de las letras de sus canciones.

Por aquellos entonces, la banda la formaban los dos miembros ya mencionados (Jansen y Simons) junto a Jeroen Simons a la batería, Ad Sluijter a la guitarra, e Yves Huts al bajo. Llegó el año 2003, y la banda entra a grabar el que sería su primer trabajo: The Phantom Agony.

En este trabajo la banda sentó las bases de su sonido, y vimos por primera vez las dotes vocales de Simone Simons. Música instrumental, coros, baladas o temas más cañeros, la verdad es que el disco es muy variado en cuanto a ritmo, pero ya apuntaban maneras para ser una banda destacada dentro del Metal Sinfónico.

Dos años después, en 2005, sacaron Consing to Oblivion, en el que se aprecia una gran evolución por parte de la banda. Este disco es una continuación del primer trabajo que sacaron, pero con algunas diferencias, entre las que encontramos que Simons canta menos lírico.

Siguen apostando fuerte y mejoran en cuanto a lo orquestal y sinfónico. Un disco en el que encontramos temas que hablan sobre nuestro destino, sobre religión y emociones, sobre retornar al hogar, sobre la sociedad en la que vivimos, etc.

Su tercer trabajo se publicó en 2007, y llevaba por título The Divine Conspiracy. Un año antes, su baterista decide abandonar la formación, así que para grabar este trabajo, la banda tuvo que contratar a un músico de sesión, Ariën van Weesenbeek, que finalmente entró en Epica y forma parte de su alineación actual.

En este disco, de nuevo, suben el nivel de su anterior trabajo en todos los aspectos, ya sea en composición, en orquestación, en coros, en voces, en composición… El nombre de Epica comenzaba a sonar por todas partes, aumentan sus seguidores con cada trabajo, y cada vez son más las críticas de los medios especializados.

Superándose en cada disco

Cada dos años, como viene haciendo la banda desde sus comienzos, lanzan un nuevo trabajo, y en 2009 vuelven a superarse en todos los sentidos, y nos sorprenden con el que es considerado uno de los mejores trabajos de Epica, su disco Design Your Universe.

Este trabajo hizo que la banda comenzara a ser un referente de lo que es realmente el Metal Sinfónico. Con este disco la banda se embarcó en una gira mundial que les llevó a recorrer numerosos países de Europa, Estados Unidos y Sudamérica. Dieron más de 200 conciertos, y agotaron las entradas en la gran mayoría de los países.

Tras el éxito de este trabajo, Epica se habían puesto a sí mismos el liston muy alto. Y en esta ocasión la banda se tomó un descanso, y en lugar de dejar pasar dos años hasta su siguiente disco, pasaron tres. No es hasta 2011 cuando regresan con un nuevo trabajo, Requiem for the Indifferent.

Éste sigue la línea de su anterior trabajo, tanto en temática como en sonoridad, aunque hubo muchos seguidores que se esperaban algo más en este disco. Las críticas en general fueron muy buenas, un trabajo a la altura de la banda.

Un año después de la salida de este disco, su bajista Yves Huts abandona la formación, y entra en su lugar Rob van der Loo, su actual bajista hasta la fecha. Con él entraton a grabar el que sería el sexto trabajo de la banda, The Quantum Enigma, publicado en 2014, en el que cuentan además con la colaboración de varios cantantes líricos, músicos de orquesta, director de orquesta, etc.

En este trabajo vemos nuevamente una evolución en la banda, su sonido es más moderno y renovado, pero conservando siempre la esencia que ha caracterizado siempre el sonido de Epica. En aquellos momentos ellos mismo decían que era el mejor disco que habían hecho hasta la fecha (no sabemos si habrán cambiado de opinión hoy en día).

The Holographic Principle llegó dos años después, y fue otra obra maestra de la banda. Un disco que muchos seguidores criticaron porque no aportaba nada novedoso, y es que los fans de la banda se ponen a veces un poquito exigentes.

Otros, por el contrario, afirmaban que este disco está hecho con un trabajo muy cuidado al detalle, de esos discos que cuando terminas de escucharlo quieres más.

Nosotros no vamos a meternos en si este disco es mejor que el anterior, ni vamos a llevarle la contraria a los fans de la banda. Pero es evidente que este trabajo también ha aportado un paso más en la evolución de la banda.

Este trabajo confirmaba que la banda se posicionaba como una de las más potentes del Metal Sinfónico, un trabajo impecable en el que todas las canciones son de sobresaliente.

Hace escasamente un mes, la banda anunciaba en sus redes sociales la salida de su nuevo single, Abyss of Time, primer tema del que será su nuevo álbum Omega.

El disco está previsto que salga el próximo año 2021, así que habrá que estar atentos a sus redes sociales. De lo que estamos seguros es de que este nuevo trabajo nos traerá grandes sorpresas.

Los mejores videos de Epica

Hemos dejado para el final la mejor parte, los mejores vídeos de Epica. Ha llegado el momento de calentar voces para cantar estos temazos que os traemos de la banda.

Por supuesto, siempre os traemos algún vídeo en directo para que os empapéis del ambiente que se respira en sus conciertos, y os transportéis de algún modo hasta allí.

Empezaremos por un tema de la primera etapa de la banda, para que veáis también cómo han ido evolucionando. En concreto hemos elegido el tema The Phantom Agony del disco que lleva el mismo nombre.

No os dejéis llevar por vuestras emociones al principio, porque comienza con unos coros y mucha orquestación, y podéis llegar a pensar «¿qué es esto? ¿música clásica?» pero tranquilidad, que la caña viene después, ya que a medida que va avanzando el tema, podréis escuchar guitarras muy metaleras y una potente batería.

Por supuesto, encontraréis la increíble voz de Simone Simons demostrando sus dotes líricas, y todo ello ambientado en época medieval.

No ha estado mal para empezar, pero vayamos hacia adelante en el tiempo, a uno de sus disco estrella, Desing Your Universe (2009), concretamente a uno de los temazos del disco como es Unleashed.

Ya se aprecia enormemente esa evolución de la que os hablábamos, nos encontramos con una Simone Simons enfundada en cuero que nos deja con la boca abierta con su calidad vocal, y eso que en este tema sólo la escuchamos en lírico hacia el final del tema.

Nos gusta el vídeo de este tema por la clase con la que aparecen todos los componentes de la banda, pero también porque la banda ha sabido transmitir muy bien la historia que cuentan en el vídeo.

Además de la voz de Simons que suena increíble, podemos esuchar ese Metal Sinfónico que caracteriza a la banda. Desde el comienzo con los coros, la orquestación y esa batería y guitarras tan cañeras, hasta el final del tema con el toque lírico de su vocalista.

Detrás de los discos de Epica hay mucho trabajo de composición, de producción de los temas, de arreglar cada detalle para que quede perfecto, además de muchísimas otras cosas, y sobre todo un gran equipo de trabajo.

La banda ha trabajado con muchos músicos, y han colaborado en discos o temas de otros artistas, y una prueba de ello es el siguiente video que hemos escogido. El tema en concreto es Cry For The Moon que está incluido en el DVD We Will Take You With Us, en el que veréis a la banda dentro de un estudio grabando con un superequipazo de músicos y cantantes.

La voz de Simone Simons es perfecta, los coros perfectos, la orquestación perfecta, el Metal Sinfónico perfecto. Fijaos en el bajo ¿sois capaces de decirnos cuántas cuerdas tiene?

Y con éste vais a alucinar, es el tema Consign To Oblivion incluído en el disco que lleva por título el mismo nombre. Es un video de un concierto, concretamente pertenece a la gira europea, y éste es el Live at the Zenith en París, y vais a ver la que se lía entre el público.

Vais a escuchar una bateria con un doble bombo brutal, además de las guitarras y voces guturales que quedan perfectamente acopladas al lírico de Simone Simons. Cómo suenan los holandese en directo! Y qué bien se lo pasan tanto los que están sobre el escenario como los que están debajo!

Terminamos con uno de los últimos vídeos publicados por Epica de un tema que pertenece a su nuevo trabajo Omega, que está previsto que lo publiquen en el mes de febrero del próximo año 2021. El tema en concreto es Abyss of Time, donde la banda nos demuestra que están en plena forma.

Grandes coros, una orquestación fantástica, una melodía que entra a la primera, voces guturales, una bateria brutal, potentes riffs y la maravillosa voz de Simone con unos cambios sorprendentes a mitad de tema, todo marca de la casa para disfrutar del mejor Metal Sinfónico que nos da esta gran banda.

En el vídeo de este tema Abyss of Time encontraréis unos paisajes increíbles de los bosques y montañas de Polonia. El vestuario de Simone Simons es fantástico, está muy currado, y parece salida de un cuento de hadas o del Señor de Los Anillos. Simplemente, maravilloso.

Este pequeño adelanto promete, y Omega va a ser un disco con el que, seguramente, la banda vuelva a superarse de nuevo.

La verdad es que la banda lo hace todo con mucho gusto y mucha clase. Quizás haya vídeos que os gusten más y que no hayamos incluído, pero estos que os hemos traído no están nada mal, eh?!

Tenemos muchas ganas de que este nuevo trabajo de Epica salga publicado según lo previsto. Quién sabe, quizás la banda nos vuelva a dar alguna sorpresa, y pronto podamos escuchar otro tema adelanto de este próximo disco.

Si las cosas mejoran, quizás podamos verlos muy pronto en directo presentando este nuevo trabajo. Epica, os estaremos esperando! Habrá que estar atent@s a sus redes sociales para saber todas las novedades de la banda.

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Eva Cassidy, una vida dedicada al Folk y al Soul

La historia de Eva Cassidy es bastante triste, es la historia de una joven cantante que consiguió alcanzar la fama de manera póstuma. Así de triste.

La mayoría de la gente no sabe ni quién es, ni tiene referencias sobre ella, porque prácticamente pasó desapercibida hasta su muerte. Se ha empezado a hablar de ella hace relativamente poco tiempo, y todo su mérito está en la melancólica y dulce voz de Eva Cassidy.

Es una pena que un cáncer acabara con ella tan pronto, cuando ni siquiera había comenzado a acariciar la fama. Pero aun así, hoy tenemos material suyo para deleitarnos con sus interpretaciones.

Esta artista es para muchos una gran incógnita, y al mismo tiempo un gran descubrimiento, por eso a lo largo de las próximas líneas os invitamos a conocer a Eva Cassidy, quién es, su corta carrera musical, conoceremos su particular voz, y el porqué de su fama postuma.

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¿Quién conoce a Eva Cassidy?

Pocos conocen a Eva Cassidy, y los que saben quién es, podemos aseguraros que la han descubierto recientemente. Os contaremos por qué más adelante, lo primero es conocer quién es Eva Cassidy, y para ello comenzaremos por sus orígenes.

Aunque nació en Washington D.C., sus raíces son europeas, concretamente alemanas e irlandesas. Vivió en la ciudad en la que nació durante prácticamente toda su vida.

Desde muy pequeña mostraba bastante interes por las artes, sobre todo por la pintura y la música, y con nueve años aprendió a tocar la guitarra. En casa tenía muy buenos referentes e influencias, pues su padre y su hermano eran músicos aficionados, y solía esuchar a grandes referentes de la música como Bob Dylan (entre otros muchos).

La joven Eva Cassidy hacía pequeños conciertos para sus familiares y amigos y, ya en plena adolescendia, formó parte de algunas bandas locales. Poco a poco la artista se iba formando, y junto a estas bandas hacía conciertos en pequeños locales de la ciudad, y algunas colaboraciones con otras formaciones y artistas.

Pero un día llegó a su vida musical un ingeniero de sonido que la escuchó, Chris Biondo. Éste quedó maravillado por la voz de Eva, y le propuso grabar las versiones que solía cantar en sus conciertos por los locales de la ciudad.

Parece que Eva Cassidy encontró en Biondo algo más que un ingeniero de sonido, pues se convirtió un tiempo después en el bajista de su banda junto con Lenny Williams, que tocaba la guitarra. La banda ya estaba lista para darse a conocer.

Y así lo hicieron a lo largo de un tiempo tocando por todos los locales y salas que podían. Hasta que un día a Biondo se le ocurrió hacer llegar la voz de Eva Cassidy a un gran músico del Soul y Funk de aquella época, a Chuck Brown. Nos imaginamos la cara de Chuck al escuchar a Eva, pues parece ser que cuando éste habló con Biondo la comparó con la mismísima Ella Fiztgerald.

Un futuro prometedor

La carrera de Eva Cassidy denotaba entonces un gran camino por delante, sobre todo después de grabar un disco de versiones con el propio Chuck Brown.

Este disco llevaba por título The other side, y en él se incluyen dos versiones muy destacadas de Eva, concretamente las que la artista hace de la canción Fever de Billy Holiday y Over the rainbow. (También podéis encontrar este tema en el disco recopilatorio de Eva Cassidy, Imagine)

El éxito de Eva con este disco junto a Chuck hizo que muchas discográficas se interesaran por ella. Tenía muchas ofertas, lo cual era una buena señal, no? Pues no creáis, porque Eva las rechazó a todas por una sencilla razón, y es que tod@s le pedían un cambio hacia un estilo más Pop, a lo cual claramente se negó.

Aunque las propuestas podrían ser muy tentadoras, nuestra querida Eva tenía las cosas muy claras, y no estaba dispuesta a hacer ningún tipo de cambio en su estilo y por eso decidió seguir su propio camino.

Siguió adelante con su banda, dando sus conciertos, sin ninguna pretensión por la fama, simplemente por el placer de poder tocar y cantar en directo ante un público. Y así siguió haciéndolo durante unos años, daba conciertos y llevaba una vida modesta y tranquila en una granja a las afueras de la ciudad, parecía ser simplemente feliz.

En el año 93 una mala noticia llega a la vida de Eva Cassidy, y es que en un chequeo médico le diagnostican un tumor en el cuello. Pero parece que Eva no le dió mucha importancia, eliminó de su mente el cáncer y siguió con su vida, siguió haciendo su vida normal como si aquello no fuera con ella y sin llevar ningún tipo de tratamiento.

Siguió tocando con su banda por los locales de la ciudad, e incluso le otorgaron algún que otro premio. Llegó el año 96 y la banda se anima a grabar Live at Blues Alley, un disco en directo con las mejores versiones de Eva. El disco se grabó en dos sesiones en el Blues Alley, uno de los locales más prestigiosos de la ciudad, que cuenta con un total de 16 canciones.

Ya tenían los temas, pero necesitaban un sello que les amaparara, y claro, pasaban olímpicamente de las discográficas, así que, ¿qué hicieron? Sencillo, montar su propio sello. Así es, un sello que llevaba las iniciales de los apellidos de los tres componentes de la banda: CDB Records.

Y así lo hicieron, sacaron su disco bajo su propio sello discográfico. Un tiempo después la banda comenzó a trabajar y grabar nuevas versiones para un nuevo trabajo.

El éxito que llegó tarde

Durante ese periodo de nuevas versiones para un próximo trabajo, la banda se encontraba también promocionando su disco de versiones en directo Live at Blues Alley. Eva entonces, comienza a sentir dolor en su cadera, y unos días más tarde, le diagnostican cancer de piel en fase avanzada.

En esta ocasión Eva recibió tratamiento de quimioterapia, pero no pudo superar el cáncer, y con tan solo 33 años, murió un trágico 2 de noviembre.

Muchos hemos conocido a Eva Cassidy y su voz cuando ya era demasiado tarde. Quizás por eso se merece ahora la fama, para que podamos darnos cuenta de lo que hemos perdido. Eva by heart es el único álbum de estudio que Eva Cassidy grabó, y se publicó de manera póstuma en el 97.

Unos años después, Bill Straw recopiló toda una serie de éxitos de algunas versiones de Eva Cassidy en un disco llamado Songbird.

Este disco se posicionó como número uno en las listas de ventas, y llegó a ser disco de oro en Estados Unidos. Algunos de los artistas versionados en este disco quedaron muy impresionados por la voz de Eva Cassidy y su increíble y versátil voz.

Así fue el caso del gran Sting, que, según dijo en unas declaraciones durante una entrevista, la voz de Eva le hizo llorar al escuchar esta increíble versión de Fields of gold que fue incluida en este disco Songbird. A ver qué tal se os queda el cuerpo después de escucharla. Pelos de punta!

Este disco incluye otras versiones como Autumn Leaves (que habéis podido escuchar un poco más arriba), Over The Rainbow (mencionada también), Songbird que da título al disco, o Oh Had I A Golden Thread entre otras muchas.

Posteriomente han ido saliendo más recopilatorios de la artista que le han dado aún más éxito si cabe. Eva destacaba su su voz limpia, cálida y con un toque muy emotivo que la hacían perfecta para el blues, el soul, el folk o el rythm and Blues

Eva, qué hubiera pasado si hubieras tratado ese tumor que tenías en el cuello! Ya os lo decimos nosotros, y es que ahora mismo estaríamos hablando de su próximo disco, de esa version de…, o de ese duo con… o incluso quién sabe, de algún tema compuesto por ella. Eso sí, os aseguramos que estaríamos hablando de una de las mejores voces femeninas.

La verdad es que es una pena no haber sabido nada de Eva Cassidy hasta su muerte. Afortunados aquellos que pudieron verla en sus directos y disfrutar de esa voz increíble. Si ahora viera en lo que se han convertido sus versiones… Seguramente estaría muy feliz.

Seguramente haya por ahí algunas grabaciones de Eva Cassidy que aún no han salido a la luz, y que en un futuro, quién sabe, podramos escuchar su increíble voz en alguna versión desconocida de la artista.

Está claro que la fama no llegó a tiempo para que Eva pudiera disfrutar de ella, es un poco triste que no llegara a ver lo lejos que han llegado sus versiones, y que, a día de hoy, seguramente estaríamos escribiendo una historia diferente en las páginas de la historia de la música.

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Chick Corea y Paco de Lucía, una historia increíble

Chick Corea y Paco de Lucía es una combinación perfecta de dos estrellas de la música, una de Jaz z y otra del Flamenco. Cada uno de forma independiente ha aportado su granito de arena la historia de la música de la que ahora y siempre formarán parte.

Paco de Lucía fue músico y compositor y a día de hoy se le considera el mejor guitarrista flamenco de nuestros tiempos. Además ha sido inspiración para muchos músicos, un maestro y un virtuoso de las seis cuerdas. Desgraciadamente en 2014 el mundo del flamenco y de la música en general perdió/perdimos a este gran artista.

El pianista estadounidense Chick Corea, que sigue en activo en la actualidad, es una estrella consagrada del Jazz. Cuenta con un pasado musical y una discografía bastante extensa además de múltiples colaboraciones con grandes artistas y grupos de música.

¿Pero cómo terminan juntos Chick Corea y Paco de Lucía? ¿Cómo encajaron estas dos personalidades y estilos musicales? ¿Cuál ha sido el legado de esta unión? Algunos incluso se estarán preguntando ¿pero es que trabajaron juntos? Pues sí, amig@s, y para responder a algunas de esas preguntas, haremos un pequeño recorrido por esta interesante historia y, cómo no, escucharemos a estas dos grandes celebridades musicales.

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Chick Corea, virtuoso del Jazz

Chick Corea es una de las figuras imprescindibles dentro de la escena del Jazz y del Jazz fusión. Comenzó a interesarse por la música desde muy temprana edad, pues con cuatro años ya tocaba el piano. Durante su adolescencia y juventud formó parte de varias bandas, pero fue en el año 1966 cuando grabó su primer disco que llevaba por título Tones for Joan’s Bones.

Un tiempo después entró a formar parte de la banda de Miles Davis donde tocaba el piano eléctrico y con los que grabó cuatro discos. Posteriormente dejó la banda de Miles y lideró la suya propia, una banda llamada Circle.

Movido por una tendencia un tanto más eléctrica que jazzística, Chick Corea abandona Circle y da vida a una nueva formación llamada Return to Forever. Esta banda se caracterizaba por un sonido Jazz Fusión muy enérgico y muy cercano al Rock donde podía verse de forma clara la influencia electrónica de Chick.

La banda desapareció a finales de los años 70, pero aun así, Chick Corea mantuvo durante un tiempo el nombre durante algunos conciertos. Un tiempo después y tras trabajar con otros músicos, decide montar otra nueva banda, por qué no?, y así es como en el año 85 nace The Elektric Band.

Pero como todo músico de culo inquieto, Chick Corea no se conformaba con haber liderado todas estas bandas de las que os hemos hablado, no. Por eso, crea otra más, la Akoustic Band. En todas ellas ha compartido su Jazz fusión con grandes músicos que le han ido acompañando a lo largo de su trayectoria musical.

Chick Corea y su legado musical

Tras su paso por todas estas bandas, Chick Corea sigue actualmente en activo ya sea él sólo, en trío o con banda. La creatividad de este artista nos ha dado increíbles temas en cualquiera de sus formaciones o colaborando con otros artistas.

El artista y compositor es considerado toda una eminencia en el mundo del Jazz y del Jazz Fusión, y es innegable su gran aportación al mundo de la música. Su extensa discografía dan fe de ello además de todas las colaboraciones que ha hecho con otros grandes como Miles Davis, Gary Burton, McCoy Tyner, Al Di Meola, Herbie Hancock, Bill Evans, Keith Jarrett, y tantos y tantos otros.

Por eso no es de extrañar que encontremos temas de Chick que nos suenen a hard bop y otros, por ejemplo que se acerca más a la improvisación flamenca fusionada con clásica… Su creatividad no tiene límites y siempre ha sorprendido con cada uno de sus trabajos (y en cualquiera de sus formatos-en solitario, con banda, a dúo, a trío o acompañando a cualquier artista).

Su legado es muy muy extenso y no os extrañe que a la extensa discografía que ya tiene haya que añadir algún disco más en un futuro. Recordemos parte de este legado y su paso por la banda de Miles Davis. Así sonaba Chick Corea con Miles en este tema llamado Mademoiselle Mabry del disco Files De Kilimanjaro.

Pero como os contábamos, no todos los temas de nuestro protagonista son como éste con Miles. Os recuerdo que le encanta hacer fusión con otros estilos y prueba de ellos es otro tema que os traemos. En este caso es de su trabajo con otro gran músico Gary Burton. Este tema aunque tiene una base de jazz muy fuerte, se aprecia la fusión de otros estilos como el de esta canción llamada La Fiesta.

También destacan sus trabajos con las bandas Return to Forever, con la Chick Corea Elektric Band o con la Chick Corea’s Akoustic Band entre otras. Este hombre ha sido imparable durante toda su carrera musical, cuando no estaba trabajando con una banda, estaba reuniendo a otros músicos para formar otra.

Recordemos alguna de ellas, concretamente el tema Light Years que da nombre al disco, de la Elektric Band en un directo del año 83. Increíble el duelo de bajistas en este directo!

Está más que claro que todo lo que tocaba este hombre se convertía en una obra de arte musical. Un rey midas del Jazz al que le encanta probar nuevas fusiones y sonidos que sabe empastar con mucha clase.

Por ese y otros motivos es un músico muy solicitado y muchos grandes músicos han querido contar con él para darle ese toque de Jazz que sólo Chick Corea tiene.

Chick Corea y Paco de Lucía, una fusión de genios

Todos sabemos quién es Paco de Lucía, ese maestro de la guitarra flamenca que ha marcado las páginas de la historia de la música, un visionario y revolucionario que cambió el concepto de música flamenca y que dejaba con la boca abierta a todos cuando tocaba.

La alineación de los planetas, las musas o quién sabes qué o quién, hizo que Paco de Lucía y Chick Corea se conocieran y llegaran a ser dos grandes amigos, además de dos increíbles artistas. El caso es que tenía que suceder y así fue y los dos, encontraron la «orma de su zapato».

Tod@s sabemos la gran importancia que tiene la figura de Paco de Lucía y todo el legado musical que nos ha dejado. Este gran artista, como ya os hemos comentado, fue un revolucionario mezclando el flamenco con otros estilos. Os recuerdo que estuvo con el gran Camarón de la Isla y que juntos hicieron un sonido flamenco muy particular que les caracterizaba.

Paco de Lucía también fue muy creativo y al igual que su gran amigo Chick Corea, le gustaba probar nuevos sonidos, nuevas mezclas. Chick lo hacía con el Jazz y Paco con el flamenco, hasta que un día deciden unir sus sonidos y crear un disco espectacular juntos.

Paco ya había probado esa fusión del Jazz y el Flamenco con otros artistas, pero hacerlo con una de las grandes estrellas del Jazz eran ya palabras mayores.

Aquí os dejamos este video en el que el propio Chick Corea nos cuenta el momento en el que conoció a Paco de Lucía y donde también nos da su particular visión sobre el Jazz, el Flamenco y la fusión de ambos estilos.

Gracias esta unión Paco de Lucía sacó en 1990 su disco Zyryab, disco que contó con la colaboración de Corea. Os hemos traído un trocito del concierto que dieron juntos en 2003 en la XXXVII edición del Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz. Aquí tenéis a los dos amigos pasándoselo en grande sobre el escenario y haciendo una de las cosas que más les gusta, tocar juntos.

A Paco de Lucía se lo llevó un infarto mientras jugaba en la playa con su familia. Dejó un gran vacío en el mundo de la música y muchos de sus amigos y grandes artistas se vieron muy afectados por su muerte. Chick Corea fue uno de esos amigos en los que la pérdida de Paco hizo una gran mella.

Para Chick, como para muchos otros, Paco de Lucía era una fuente de inspiración y que, a pesar de la fama, siempre fue un hombre discreto que conservó su humildad a lo largo de toda su vida.

Siempre nos quedará en el recuerdo y por supuesto, siempre tendremos su música para hacerle volver a la vida. Seguro que Chick Corea guarda muy buenos recuerdos, tanto de su vida junto a él como músico como de la amistad que se forjó entre ambos.

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Improvisación Libre con Toto Álvarez

Ya hablé el mes pasado de que mi amigo y músico de improvisación libre Ricardo Tejero me pasó la grabación de un concierto que dio él en 2014 en Valparaíso, junto a Luis “Toto” Álvarez.

Me gustó tanto el concierto que le pedí a Ricardo que se pusiera en contacto con Toto porque me interesaba que respondiera a las preguntas de esta entrevista. A Toto no lo conozco personalmente, pero musicalmente hablando me interesa mucho su opinión:

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Improvisación Libre con Toto Álvarez

¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? ¿Por qué te interesa esta forma de hacer música?

Comencé en la improvisación libre a mediados de los años 90 como una práctica de estudio, ya que quería extender mi forma de trabajo con la guitarra principalmente en ese momento, y buscar aprendizaje fuera del estudio de repertorios o métodos, siempre lo hice a través de la intuición.

Se me hizo interesante porque era un camino a la exploración, expandir las propias fronteras, y ver que hay más allá en la aventura de la música.

 ¿Crees que es necesario escuchar improvisación libre para ser un buen improvisador? Es algo que me he planteado de vez en cuando. Yo, en particular, no suelo escuchar mucha música improvisada. Por supuesto, en los conciertos que asisto, o mientras toco con otra gente, pero no suelo escuchar discos o ver vídeos de este tipo de música. Lo hago, pero no con frecuencia. La fuente de inspiración la busco en otros sitios: lectura, escuchando música “convencional” e interesándome por otras disciplinas artísticas o no necesariamente artísticas. ¿Cuál es tu opinión?

Es un punto interesante porque ésto aborda de alguna manera el asunto del por qué estás aquí en la improvisación, y qué te motiva a ser parte.

En lo personal tampoco escucho improvisción libre habitualmente, prefiero siempre hacerlo en los conciertos en vivo, donde la práctica está viva, y el sonido hace un efecto directo.

En un principio estuve más interesado en escuchar grabaciones, pero no quería que fueran una influencia fuerte, eso lleva a la pérdida de libertad para encontrar tu propio discurso. La idea es ésa, que desarrollemos nuestra identidad y desde ahí nos comuniquemos. Esto es importante no sólo en la improvisación.

En ninguna forma musical me gustan los clones o malas copias, no son necesarias. Debo decir que mi razón principal por escuchar muchos discos es para comprender el desarrollo y la historia en las formas musicales, las inspiraciones para crear y tocar vienen de cualquier cosa, no sólo de la misma música, somos seres con capacidad de percepción y traducción de millones de estímulos.

¿Piensas que el arte hay que tomárselo “en serio”? Quiero decir, si hay que tenerle respeto, o simplemente encararte con él y hacer lo que sientas sin pensar en cómo te van a juzgar. ¿Es algo elevado y trascendental? ¿O es preferible, en tu opinión, bajarlo de su pedestal y considerarlo más terrenal, menos sublime?

Creo que hay que tener el valor de encararse a sí mismo, es el mismo individuo quién pone las primeras barreras. Al principio uno enfrenta cosas que no tienen que ver precisamente con el arte.

Los prejuicios son construcciones de una comunidad específica, una escuela, un grupo de personas, los mercados y las aspiraciones. Es a eso a lo que debemos bajarle del pedestal.

La comunicación con el arte es silenciosa e íntima, debes disfrutar esa vida con el arte, y entenderlo de manera natural, sin presión ni prisa. Es terrenal y sublime a la vez, pero no porque las personas sean artistas están en un sitial distinto, son importantes y vitales como todas las personas en una sociedad.

¿Qué es para ti “espacios” en una pieza? Quiero decir, que si te dicen: “vamos a crear una pieza con ‘espacios’, ¿qué interpretas?

Me imagino que debe ser la indicación de que te darán un espacio o momento para que hagas lo que sabes hacer, quizás. En realidad, no soy cercano a esa experiencia. 

Mi forma de tocar es simplemente plantarse a tocar, y la improvisación es el lenguaje de comunicación y conexión entre músicos. Alguna vez participé en un ensamble de improvisación dirigida y escuché cosas así, pero fue una mala experiencia que no volvería a repetir, al menos con personas que no tienen experiencia para andar cediendo espacios o “dirigiendo”. 

En cuanto a composición, es otra historia, espacios puede ser cualquier cosa que el compositor quiera desarrollar con los intérpretes, incluso decirte acá tienes espacio para que tomes un café mientras seguimos ensayando.

¿Consideras que la improvisación libre es un género musical autónomo?

Para mí en rigor al momento de darle un nombre ya de cierta manera establecemos su autonomía, pero como género reúne muchas formas. No creo que sea un estilo de música, es más bien una práctica que se nutre de fuentes diversas y de otros géneros libremente.

No puedo dejar de lado que mucha música contiene el ejercicio de la improvisación, el acto del improviso, pero no se han catalogado dentro de la improvisación libre.

Tendríamos que ir más allá para ver cómo se puso esta bandera y qué define, es una interesante materia de estudio musicológico y filosofía musical.

Hay músicos e improvisadores (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quien dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas?

En cuanto a Improvisación, me gusta y practico la intuición e inmediatez, gesto espontáneo.

Lo que viene después de eso son procesos cerebrales distintos, el razonamiento teórico, estético o simplemente competitivo. En cuanto a otras formas musicales, la historia puede ser diferente, pero siempre la espontaneidad y la primera toma se harán presentes, porque tienen un flujo vivo.

Formas y patrones hay de todo tipo en el arte y la cultura. Por ejemplo, se han establecido algunos para definir, comercializar, y/o validar ciertas expresiones, pero por otro lado tenemos formas y patrones que derivan de la cosmovisión andina, y han dado estructura a una sociedad, forma de ver la vida, el universo y la tierra, al urbanismo, la agricultura y mucho más.

En un libro llamado “El nuevo paisaje sonoro”, de R. Murray Schaffer, viene la siguiente afirmación: “Es cierto que hay mucha gente que no son sensibles al ruido; pero esos son precisamente los que tampoco son sensibles al argumento, o al pensamiento, o a la poesía, o al arte, en una palabra: a cualquier tipo de influencia intelectual. La razón de esto es que el tejido de sus cerebros es de una calidad muy tosca y ordinaria. Por otro lado, el ruido es una tortura para gente intelectual”. ¿Cuál es tu opinión sobre esta afirmación?

Es muy difícil poder afirmar qué tanta gente no es sensible a esto o a esto otro. Creo que es bastante aventurera y pretenciosa tal idea. Así mismo, y más grave es según esa afirmación establecer premisas neuro-cerebrales sobre las personas.

No se puede definir cierta riqueza o fineza de tu tejido cerebral en base a un grupo tan específico de “sensibilidades”.

Deberíamos primero saber a qué ruido se refieren estos estudios, y qué es ser sensible al mismo.  Para nosotros como latinoamericanos la vida es distinta, vivimos en diferencias sociales y económicas.

El neoliberalismo se ha ocupado de destruir la educación de los pueblos. Por eso creo que las afirmaciones académicas desde aulas privilegiadas deben ponerse en contexto más amplio.

Hay expresiones que son ruido y que pueden ser un desafío y un misterio para un intelectual de la música o el sonido, pero que son parte viva de una comunidad, la devoción y la festividad. A través de ese “ruido” la gente vibra y se expresa. Por ejemplo, los Bailes Chinos en Chile. 

También hay toda una tradición musical que escapa al mundo diatónico o al oído templado occidental, sistemas e instrumentos sonoro-musicales complejos desarrollados por la cultura precolombina, formas de percepción del sonido y su efecto en las culturas, que aún desconocemos.

Por otro lado, en cuanto al “ruido” hoy en una sala de arte, creo que la mayoría, aunque le moleste, dirá que lo entiende o disfruta, o le es interesante, porque ese medio está lleno de snobismo y aspiracionismo. Yo tampoco afirmaría que esas personas son intelectuales con un fino bordado cerebral.

Finalmente te puedo decir que valoro más la honestidad de decir que algo te molesta o te parece horrible, que la condescendencia por querer lucir “intelectual”.

Explícame brevemente tu concepto artístico

No tengo un concepto específico en este momento, pero creo que algo lo he desarrollado ya con las preguntas anteriores.

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Col-lectiu Freet y la Improvisación Libre

3rs Encontres Aproximatius de Postbouesia
¿Quién eres tú si no improvisas?
Teorías y Práctica de la Improvisación
Col-lectiu Freet y los músicos habladores o Parlantes.

Concierto performance música de acción soundpainting
Lo Pati, Centre d’art de les terres de l’Ebre, Amposta
24-10-2020
19.00 h

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¿Quién eres tú si no improvisas? Teoría práctica de la Improvisación Libre

Copiamos del manifiesto de los 1rs encontres aproximatius de postbouesia: “Un ENCUENTRO (ENCONTRE) sería cuando encuentras alguién inesperadamente por la calle; aquí no hay cálculo, ni estrategia, ni táctica, ni premeditación, pasan las cosas ‘porqué tienen que pasar’; aquí no hay ninguna intención, ni voluntad, pasan las cosas por sorpresa, inopinadamente, sin querer, sin saber, sin ningún propósito, por casualidad, por azar, de una manera imprevista, inusitada, fortuita, espontánea, inmediata, fugaz, indeterminada, intuitiva, transitoria, efímera, móvil, dinámica, viva, tierna”

“Un ENCUENTRO sería cuando los músicos improvisan. Un ENCUENTRO sería cuando se acoge la energía de la poesía y el pensamiento y la materia se unen.”

Seguimos copiando: “…fermentos de poesía frente a modelos o patrones de conducta”. “Aproximarse a un saber que no pesa, a un saber-mosquito…” “Post-bouesia como un viaje de toro (bou) a mosquito, como una transmutación de animal en infra-animal, como una pérdida de peso, como un vuelo definitivo…”

Siguiendo el hilo musical, podríamos establecer dos categorías: Improvisación y No-Improvisación.

Apuntar que estas categorías musicales nos parecen más reales que otras categorías (o etiquetas) más aceptadas por la opinión (ideología) corriente y dominante: Clásica, Jazz, Pop, Folklore…

La Improvisación y la No-Improvisación musicales implican una teoría o actitud (reflexión, análisis, pensamiento, palabras, textos) sobre el hecho específico musical y su relación con el contexto (mundo). Y esta actitud o teoría hace tocar (hacer) música, lleva a la práctica musical de la improvisación o de la no-improvisación. Y esta práctica musical, a la vez, hace reflexionar, determina una teoría o actitud, condiciona un talante. 

El mundo musical se duele de incapacidad de palabras, adolece de las funciones espiritual y social de las palabras, carece de voz y voto: se dice que le sobran las palabras a la música, que es un lenguaje universal que todos entienden, que es abstracta, que no hace falta que sea explicada, que se explica por sí sola.

Queda meridianamente claro que la música está hecha de sonidos, pero también queda claro que estos sonidos se relacionan con un entorno, un contexto.

La ruina de las palabras significa la ruina de la perspectiva que significa la ruina de la frase musical, y que significa la ruina del sujeto (el músico).

Y aquella frase famosa de que la oreja no es un ser, de que el músico no es sólo una oreja, sino que es un cuerpo, un ser. El hipocondríaco niega su cuerpo. En tiempos de pandemia, aún más. Por sus gestos en el escenario los conoceréis.

Les presentamos al Col-lectiu Freet y a los músicos habladores o parlantes

El Col-lectiu Freet hace uso de todos los medios artísticos a su alcance (especialmente el soundpainting y la improvisación libre) para poner en pie una poética que inventa riesgo a todo trapo, tratando las convenciones como si fuesen trapos sucios, y no haciendo ascos de limpiar toda clase de rincones sucios (siguiendo a Joseph Beuys) de los centros y periferias musicales y artísticos.

El arte pobre o sucio (brut) contradice y combate el arte rico o demasiado limpio, por demasiado lustroso, brillante y satisfecho. La perfección y la excelencia son trampas de un mundo demasiado dogmático, un mundo que siempre quiere tener la Razón y decir lo que se tiene que hacer.

Ojo, los Freet siempre van sin concesiones hasta el último rincón del lugar, profundizando en la visión/auscultación del mundo y en la relación entre ellos y el contexto, a la búsqueda del sonido-ruido inédito que es un relámpago poético, aquel sonido-ruido inédito que rompe con la fragmentación y la codificación de “siempre lo mismo”. Sí, señores, los Freet tienen la potencia de saber lo que quieren.

El Col-lectiu Freet son: Maria Mora, Laia Roset, Alba Vicario, danza; Maria Berengué, violín; Rafel Esteve, contrabajo; Montse Piqué, voz; Montserrat Trepat, actriz; Genís Bagés, batería; Miquel Àngel Marín, clarinete bajo; Maria Montseny, escenógrafa; Arnau Millà, soundpainter. Y con la colaboración de Carlos Martorell Shoeg, electrónica.

Un Músico Hablador o Parlante es alguien que en tocar también habla (no obligadamente al mismo tiempo, siempre depende del instrumento que se toque), que entiende las palabras como parte del dispositivo musical, con la misma importancia que otros sonidos o ruidos o silencios, intencionales o no. El speech (pregón o parlamento) puede ser discursivo o no.

El concierto iniciará con una introducción-discusión teórica (hablar) y práctica (tocar) sobre teoría y práctica de la improvisación: la transformación de una clásica mesa sentada de debate intelectual en una mesa pulverizada de debate espiritual y de interacción musical hablada y tocada y en movimiento escénico entre los llamados Músicos Habladores o Parlantes, todos ellos acostumbrados a la improvisación musical de palabras: Javier Entonado, trombón y voz (Madrid), Sofía Fernández, bateria, voz y cuerpo (Gijón), Llorenç Barber, platillos y voz (Valencia), Montserrat Palacios, voz (México/Valencia), Miquel Jordà, saxo y voz (Valencia/Barcelona), Carles Andreu, voz (París/Barcelona).

Sin solución de continuidad, se dará paso a una sesión colectiva de música de acción, improvisación y soundpainting, a cargo del Col-lectiu Freet y los Músicos Habladores o Parlantes, y con la dirección del flautista y soundpainter Arnau Millà.

Texto: Miquel Àngel Marín.

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Los indios del Mardi Gras, simbolismo y tradición

En esta entrega os propongo un viaje un tanto diferente. Si bien vamos a irnos a Nueva Orleans una vez más, en esta ocasión vamos a visitar la Nola más profunda y folclórica de la mano de una de las manifestaciones culturales más curiosas de Norteamerica: los Indios del Mardi Gras.

Pero, ¿qué es eso del Mardi Gras? El Mardi Gras es el nombre con el que se conoce el Carnaval en Nueva Orleans (entre otros lugares, como Québec o Alabama). Se trata de una tradición francesa que vendría a ser como nuestro Martes de Carnaval, aunque más quisieramos nosotros…

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Los indios del Mardi Gras, simbolismo y tradición

Comienza el 6 de enero con un desfile nocturno de carrozas, bailes de máscaras y las King Cakes. Desde esa fecha hasta el martes de Carnaval se pueden ver desfiles diarios, siendo los más espectaculares los de los últimos cinco días.

Entre todas estas festividades, hoy en día ya súper masificadas por turistas, podemos encontrar en las zonas más alejadas del centro celebraciones alternativas cargadas de simbolismo y tradición, como la que se lleva a cabo en el barrio de Tremé por parte de los indios la noche de San José, o los llamados Sunny Sundays.

Y ¿de dónde viene esta tradición de vestirse de indios? Retomemos la historia desde el principio y viajemos hasta el Siglo XVIII. Nueva Orleans era la cuna de la esclavitud, como ya sabréis. Muchos negros cimarrones huían de las grandes plantaciones en busca de una vida mejor.

Entre 1750 y 1760 se produjo un gran éxodo de esclavos del área del Mississippi, muchos grupos se establecieron en las zonas pantanosas cercanas a Nueva Orleans (el Bayou), mientras que otros se alistaban en el ejército del Norte (los Buffalo Soldiers.

Sí, sí, como la canción de Bob Marley que hace un homenaje a estos perseguidos. En esa huida, a menudo coincidían con los otros grandes parias de la sociedad americana, los nativos americanos (vamos, los indios, que curiosamente pusieron el nombre de Buffalo Soldiers a los negros alistados al ejército, pues decían que tenían el pelo rizado como los búfalos).

Tras la abolición de la esclavitud, los descendientes de esos primeros huidos ya se habían hermanado con los nativos americanos, creando una subcultura híbrida. Segregados de la sociedad como estaban, se reunieron en imaginarias tribus para seguir conservando una tradición cultural que habían hecho propia, y mantener así el sentido de su comunidad e identidad negras.

Como grupo con identidad propia, pronto se integraron en la sociedad de Nueva Orleans, pero a su manera, adaptando la tradición de aquellas comunidades nativas que les acogieron a sus tradiciones africanas. Eran los outsiders de la sociedad dominada por los blancos.

Poco a poco fueron evolucionando como sociedades semisecretas, con sus canciones y costumbres propias, y un lenguaje que derivaba del slang y del patois (jergas callejeras).

El primer desfile de indios del Mardi Gras fue en 1865. Parece ser que entre 50 y 60 «indios de las Llanuras» desfilaron ese año durante el Carnaval, y unos meses después se creaba la primera tribu de indios afroamericanos: la Creolé Wild West, que parece ser que eran ex-miembros del show mundial de Buffalo Bill, que curiosamente estuvo en España en 1899, y que llegó a Nueva Orleans en 1864, dejando un montón de nuevos ciudadanos (este show también fue el refugio de muchos esclavos huidos y muchos nativos desesperados ante el voraz colonialismo europeo).

La Creole Wild West estaba lideraba por Becate Batiste, el primer criollo que se vistió como indio en Mardi Gras.

Las tribus estuvieron muchos años enfrentadas entre ellas, incluso se aprovechaba el desfile para cometer actos de venganza. Sin embargo, en los años 60, el nieto del legendario Becate Batiste, Allison Tootie Montana, imploraba por la unión de las tribus, consiguiendo cambiar la dinámica de la lucha.

En vez de armas se lucharían con aguja e hilo (algo que se conseguiría definitivamente en 1987 con el Consejo Indio del Mardi Gras, superando esos conflictos históricos que había entre tribus para unirse y poder preservar y enriquecer juntos su cultura).

Ahora la lucha consistía en ser la tribu más vistosa y original, y para ello se esmeraban durante un año entero en confeccionar trajes espectaculares a base de plumas, pedrerías, remaches brillantes, y un gran bordado central, donde se solía (y suele) representar alguna escena evocadora de la tradición de los indios nativos. Se trata de verdaderas obras de arte, muy llamativos y aparatosos, pareciendo increíble que estén hechos a mano.

En 1964 se aprobó la Ley de Derechos Civiles que acababa con el segregacionismo. A partir de ese momento, los indios podían recorrer toda la ciudad, dándole una gran popularidad a este festejo, y dando como resultado la «institucionalización» de una de las tradiciones más curiosas de todo Estados Unidos.

Los primeros indios negros eran más ortodoxos, sus vestimentas eran muy similares a las de los nativos originales, pero con el paso del tiempo han ido volviéndose cada vez más espectaculares.

En cuanto la organización interna de las tribus, cuentan con jerarquías muy marcadas. En la parte más alta se encuentra el Big Chief o Gran Jefe, que entre otras cosas es quien decide, secretamente, cuál va a ser el recorrido para el desfile.

A éste le sigue el Second Chief, su segundo a bordo. Después viene el Spy Boy, que es como una especie de oteador que vigila el encuentro con otra tribu, y que al hacerlo avisa rápidamente el Wild Man, el portador del arma simbólica que se encarga de anunciar a la otra tribu la entrada en escena de su jefe.

También están el Flag Boy, portador del estandarte de la tribu, y los Second Liners, los vecinos que apoyan y acompañan a la tribu en su recorrido (espero no haberos liado mucho).

Cuando dos tribus se encuentran, empieza «la batalla». Informada la tribu, el Wild Man abre paso a su jefe ante el jefe de la otra tribu. Enfrentados estos, empiezan a increparse con mucho swing (que para eso son de Nueva Orleans), como si estuvieran rapeando, burlándose de la otra tribu a partir de la improvisación. Cuando los jefes se cansan, continúan su camino hasta que se encuentran con otra tribu y vuelta a empezar.

Las creaciones musicales que acompañan a estos desfiles y sus batallas son producto de la improvisación y la espontaneidad. Es como un acto hipnótico que se basa en cánticos de llamada y respuesta, y en percusiones polirrítmicas, a la manera de los Riots.

Las tribus tienen un local de encuentro, una especie de club social, donde se reúnen durante todo el año para trabajar en los trajes, ensayar sus cánticos, y organizarse. Es un lugar donde mantener vivas sus tradiciones.

Hoy en día existen más de 50 tribus: Bo Dollis & The Wild Magnolias, Monk Boufreaux & The Golden Eagles, Creole Wild West, Fi Yi Yi, Yellow Pocahontas… Algunas de ellas han grabado discos, casi siempre respaldados por músicos como The Neville Brothers, Rebirth Brass Band o Dr John.

Si bien los discos no suenan como la música de los desfiles, nos sirve para entender esta tradición musical que podría considerarse el germen del resto de las músicas negras, pues su influencia, aunque poco reconocida, es innegable. Algo curioso es que casi ningún indio es músico profesional.

Yo soy de las que considera que en estas manifestaciones culturales es donde hay que rebuscar para intentar entender qué es eso a lo que denominamos Música de Nueva Orleans, esa música que te llega al alma, pero que no eres capaz de meter en ningún saco de estilos.

Porque Nueva Orleans huele y sabe a música, a raíz, a África y también a América, pero a la América más pura y real, aquella que levantaron los oprimidos… por eso «make great América, amiguis», pero a lo Cooty Fiyo (echadle un ojo a la serie Tremé. En serio, hacedme caso).

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My Dying Bride, sorpresa doble en 2020

Buenas a todos mis queridos lectores! Esta vez os traigo a My Dying Bride, algo más relajado, para leer y escuchar en un momento de tranquilidad.

Es música perfecta para días de lluvia, y ver la tormenta desde tu ventana y dejarte llevar por la calma y la melancolía.

A Secret Kiss, éste es el nuevo tema que lanzaron recientemente los ingleses My Dying Bride, ya que nos han dado la gran noticia de que para el próximo 20 de noviembre estrenarán nuevo EP bajo el título Macabre Cabaret.

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Un EP del cual, por el momento, no sabemos nada más, pero del que se espera mucho. Sin duda ha sido toda una sorpresa entre los fans, ya que esta banda lanzó su nuevo álbum, The Ghost of Orion, el pasado 6 de marzo de 2020, un día increíble para lanzar un álbum, ya que es el día de mi cumpleaños (risas).

The Ghost of Orion es el decimotercer álbum de estudio de la banda, y el primero bajo el sello de Nuclear Blast. Anteriormente, estaban trabajando con Peaceville Records.

Un álbum que se compone de ocho temas, y que los fans han calificado como “un álbum sublime”. Destacado por el género musical Doom Metal, podemos decir que My Dying Bride están en la cima de este género musical junto a otras bandas como Anathema o Katatonia desde hace décadas.

Recordemos que la banda se formó en el verano de 1990, y desde entonces han ido cosechando éxitos, incluso tras haber pasado por alguna crisis que puso en riesgo la continuidad de la banda.

Cuando escuchas The Ghost of Orion, se percibe en sus letras y melodías esas batallas internas con las que todos tenemos que lidiar a lo largo de nuestra vida, aunque finalmente acaba en un agradecimiento por el aprendizaje de esas experiencias, y un llamamiento a la bondad.

Esa búsqueda de equilibrio que todos necesitamos para sentirnos mental y emocionalmente sanos, pese a las adversidades de la vida.

My Dying Bride y su trabajo The Ghost of Orion – Abraza tu oscuridad

Hagamos un pequeño repaso de algunas de las canciones que encontramos en este magnífico álbum.

Your Brocken Shore, que es el tema que nos da la bienvenida, es un tema depresivo con un sonido que me recuerda muchísimo a los temas más oscuros de Lacuna Coil en sus principios, en el sonido de la guitarra y bajo principalmente. Supongo que los italianos también han cogido influencias de My Dying Bride. Me encanta el sonido de violín y cello que viste elegantemente a la canción. Para ello han contado con la colaboración de Jo Quail (cello), a quien también podemos ver en el vídeo.

Le siguen los temas To Outlive the Gods y Tired of Tears, que continúan en la misma línea depresiva y lenta, pero, como cuentan los fans de la banda en los comentarios del vídeo, es música Doom Metal que va buscando tener un poco de esperanza y alivio. Quizá nos encontramos en una situación similar ahora mismo, ¿no creéis?

El cuarto tema, The Solace, es un tema delicado y profundo vocalmente, y que a muchos les recuerda a la B.S.O. de la película Gladiator. Para ello, en esta ocasión han contado con la colaboración de la vocalista de la banda noruega Wardruna, Lindy Fay Hella, quien le aporta un toque de misticismo nórdico que, a mí personalmente, me encanta.

Y ya en el ecuador de este álbum, que a pesar de tener tan solo ocho temas no es breve, ya que son casi 57 minutos de música. Seguimos con los temas The Long Black Land y The Ghost of Orion, que le da el título al álbum, es una pieza instrumental fantasmagórica, es inquietante y misteriosa…

Casi finalizando, podemos escuchar The Old Earth, que es su pieza más larga en este álbum, ya que su duración es de algo más de diez minutos, y, sin salir del estilo pesado y lento, es un tema muy guitarrero y con gruñidos que te amenizan el viaje a través de este penúltimo tema que, a mitad de canción, hace un sorprendente cambio de ritmo, convirtiendo este tema en el favorito del álbum para muchos.

Casi al final de la canción, la batería suena contundente, (ya sabéis que eso me chifla en las canciones metaleras), para finalizar con una preciosa melodía de violín que es sencillamente espectacular.

Y para terminar esta calmada y relajante lectura (eso espero), y dando el final a The Ghost of Orion, una breve y preciosa pieza instrumental: Your Woven Shore, que viene para dejarte en un estado de paz y esperanza tras una intensa escucha que te transporta a revivir esos estados depresivos, casi rozando la tragedia y la fatalidad.

Aquí podéis escuchar esta pequeña brizna de esperanza que ahora mismo necesitamos todos.

Como veis, este álbum es una gran obra que ha significado mucho para los fans, por lo que esperan quedar igual de satisfechos con la llegada de su nuevo EP para el próximo 20 de noviembre, Macabre Cabaret. De momento, su tema A Secret Kiss, que podéis escuchar al principio de este artículo, es bastante prometedor.

Espero que os haya gustado, y que al menos haya servido para pasar un rato relajado, y, sobretodo, que os haya hecho pensar, que es lo que más me gusta de las bandas de este tipo de género musical, que sus letras son profundas y nos hacen pensar, identificándonos con sus historias.

Pero como ellos mismos han querido transmitir en este álbum, también debemos agradecer y crecer con estas experiencias y retos que nos va imponiendo la vida.

No olvidéis seguirles en sus redes sociales y en plataformas digitales. A cuidarse mucho. Nos vemos en la próxima.

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